Prìncipi e Princípi

La scatola segreta di Biancaneve

2012-02-26T00:16:00.000-08:00

Si cominciano a scaldare i muscoli in attesa della 2012 Children Book Fair, che, dentro e fuori salone, per tutto il mese di marzo ed oltre vedrà la città di Bologna al centro dell'attenzione mondiale di editori, illustratori, librai, bibliotecari. Cominciano le Edizioni Logos a presentare, con i buoni uffici di BilBolBul, nei locali della Pinacoteca Nazionale, Via Belle Arti 56, Snowhite's Secret Box, la rassegna delle illustrazioni famose e inquietanti di Ana Juan, l'artista spagnola celebre per le sue copertine del New Yorker. La mostra sarà inaugurata il 29 febbraio e resterà aperta fino al 31 marzo.

Libri italiani in Giappone

2012-02-24T05:10:00.000-08:00

Barbara Schiaffino è visibilmente soddisfatta quando ci racconta del successo della mostra, Viaggio in Italia, recentemente conclusa a Tokyo. I duecentocinquanta libri, di cinquanta editori, che raccontano l'Italia di oggi, dall'arte, alla storia, alla cucina, alle tradizioni popolari, alle fiabe, all'urbanistica (ma che affrontano anche nervi scoperti quali il razzismo, l'emigrazione, lo spopolamento delle campagne...) sono stati esposti nella grande sala dell'edificio 'rosso ciliegia', progettato da Gae Aulenti, che ospita l'Istituto Italiano di Cultura. L'organizzazione dell'evento, naturalmente, della rivista Andersen.

Soddisfazione, dicevamo per i quasi duemila visitatori e per l'attenzione che i media (stampa e web) hanno riservato all'avvenimento. Nella sala, a ciclo continuo, un omaggio che i genovesissimi redattori di Andersen hanno tributato alla loro città, a quel grande amico che è stato Lele Luzzati, e anche a loro stessi: Genova, sinfonia di una città, che è stato l'ultimo lavoro di animazione di Lele.
Il video è stato realizzato da Luigi Berio, autore e regista, (insieme alla sua factory www.arteprima.com).

Dopo la tappa di Tokyo la mostra si sposterà, nel corso della primavera a Osaka e Yokohama. Ci auguriamo la stessa attenzione che le è stata riservata a Tokyo.

Il libro delle bestie

2012-02-22T23:16:00.000-08:00

Rudyard Kipling, Il libro delle bestie (Just so stories), illustrazioni di Daniela Pellegrini,
Prìncipi & Princípi, pagg. 104, euro 15,00. Dall' 8 marzo in libreria.

Il libro delle bestie, illustrazione di Daniela Pellegrini

Un luogo comune ci racconta che Rudyard Kipling fu il cantore massimo del colonialismo britannico. Nato in India, là vissuto a lungo, intriso di cultura certo non provinciale, forse non avrebbe potuto essere altrimenti. Ognuno è figlio del suo tempo e della sua storia, e Kipling lo era davvero, anche se una lettura recente della sua adesione alle ragioni del colonialismo ne accredita una visione, per così dire, caritatevole: l’Inghilterra cioè come garanzia dello sviluppo e della crescita delle nazioni e dei popoli ‘selvaggi’, necessitati ad essere guidati e aiutati nel loro percorso. Sarà pure così ma è certo che, se anche nelle sue storie traspare una continua e sincera comprensione delle ragioni degli altri, lo scrittore tende a nascondere dietro una prosa amabile, fascinosa (e a volte astuta) i nodi di sfruttamento e di oppressione, commerciale e sociale, che il colonialismo portava inevitabilmente con sé.

Comunque sia lo scrittore Kipling è straordinario e complesso, capace di fantasia e poesia; la sua prosa è complicata e allusiva, non tenta mai scorciatoie banali. Ogni sua pagina appare ancor oggi come un esempio di stile.

Il libro delle bestie, illustrazione di Daniela Pellegrini

Da questo punto di vista queste Just so stories sono significativamente quasi perfette. Racconti che rimandano alla storia della creazione del mondo, ai primi miti ancestrali, e ci raccontano, quasi una vulgata delle teorie evolutive di Charles Darwin, come tutto sia in trasformazione costante, come gli animali si adeguino alle condizioni di vita e ambiente modificando e migliorando il loro aspetto e il loro comportamento. Racconti anche scintillanti per arguzia, facilmente divertenti ma intimamente complessi.

Il libro delle bestie, illustrazione di Daniela Pellegrini

Come fu che all’elefante si allungò il naso fino a diventare la proboscide che tutti conosciamo? Com’è che il leopardo ottenne le sue macchie mimetiche? Come la tartaruga e il porcospino si trasformarono in armadillo? Storie tutte che sono il racconto di un'evoluzione e di una sopravvivenza mai facile, ottenuta sempre con la fatica quotidiana.

La traduzione che presentiamo in questo Libro delle Bestie (abbiamo mantenuto il titolo che il traduttore dette al suo lavoro all’inizio del ventesimo secolo) è quella classica di Silvio Spaventa Filippi, letterato astuto e colto che fu il primo direttore del Corriere dei Piccoli. Spaventa Filippi ci è piaciuto perché non riduce mai la lingua di Kipling a un volgare gergo ‘bambinese’. Le parole sono sempre complesse, a volte raffinate, e quello che se ne ricava è il racconto di un’esperienza di scrittura scintillante.

Anche i disegni di Daniela Pellegrini corrono nella stessa direzione. Pastelli gessosi, coloratissimi e morbidi, non hanno modelli vincenti da seguire. Daniela osserva le lezioni dei maestri ma poi cerca e trova una sua strada di intervento che sposa semplicità e complessità, adesione e distacco.

Just so stories fu illustrato alle origini dallo stesso Kipling con incisioni in nitido bianco nero, poi la teoria degli illustratori del testo si allunga fino a toccare grandi artisti storici quali Ugo Finozzi, o contemporanei quali Etienne Delessert e Simona Mulazzani.
Daniela Pellegrini si colloca nel solco di quella tradizione dandoci una versione del libro convincente e significativa.

Il libro delle bestie, illustrazione di Daniela Pellegrini

Libri recuperati. 15. L'arte del Bacino

2012-02-21T23:34:00.000-08:00

I bacini dappertutto

Come dice il nome, sono diffusi in tutte le parti accessibili del corpo,
e accompagnati da onomatopee in "u"
(purupù, cuccurù, brubrubrù)
che hanno il compito, senza dubbio, di facilitare il bacino,
visto che le labbra sono già nella posizione ideale.

Il bacino della mattina

Anche animato dai migliori sentimenti

stranamente non trova un'accoglienza altrettanto entusiasta

da parte dei destinatari, specialmente nei giorni

in cui la sveglia è a riposo.

Il bacino acrobatico

Sempre molto apprezzato, può essere eseguito

con diverse varianti.

Accompagnato di norma da matte risate sussultorie,

va accuratamente evitato dopo i pasti.

ps. L'arte del Bacino, edito (1995) dalle Edizioni Giannino Stoppani, dovrebbe esserci ancora, almeno nella loro libreria, a Bologna. Non abbiamo controllato ma siamo sicuri che, chi se lo fosse perso, lì lo può ancora trovare.

Le ribellioni di Giannino Stoppani

2012-02-20T23:54:00.000-08:00

"La famiglia, la campagna, la separatezza degli anziani, le improntitudini dei politici, le ragazze promesse agli adulti facoltosi e negate agli amori autentici, le infinite perfidie perpetrate negli interni borghesi, e soprattutto l’ansia frenetica di verità contrapposta alla ineluttabile vocazione menzognera degli adulti: Giannino è certo collocato così, da leggersi così, da intendersi così." (Antonio Faeti)

Illustrazione di Andrea Rauch

Gian Burrasca nasce alla fine del XIX secolo, il 20 settembre 1897 e la data è stretta tra passato e futuro, tra ricordi risorgimentali e balli Excelsior oppure, citando sempre Antonio Faeti, tra Guido Gozzano e Gabriele D’Annunzio, tra rimozioni crepuscolari e esibizioni superomistiche.

Illustrazione di Andrea Rauch

Giannino Stoppani vive le sue avventure in una famiglia che è prototipo e specchio della borghesia dell’epoca e lui, come Luigi Bertelli (Vamba) che ne trascrive e ne completa le memorie, la subisce ma non sa adeguarsi. In lui non è potente e affermata quella pulsione all’ipocrisia che spesso contraddistingue il bon ton di facciata della borghesia. Non lo capisce. Lo rifiuta, semplicemente.

Illustrazione di Andrea Rauch

La ribellione di Giannino non si sa dove andrà a parare. Le sue vicende Vamba ce le racconta fino al 1907 e, crescendo, il ragazzo avrà davanti la strada che lo porterà forse all’interventismo e alla prima guerra mondiale. Sarà anche lui un ragazzo del ’99 anche se l’anagrafe segna ’97? e dopo? diverrà avanguardista? o cosa?

Illustrazione di Vamba

Il nostro Gian Burrasca riesce a riassumere molte delle generosità e delle contraddizioni della sua classe sociale agli inizi del XX secolo e ogni strada gli rimane aperta.

“Giannino è gozzaniano e dannunziano, scrive ancora Antonio Faeti, ma si sono probabilmente perdute le tracce di tanti come lui, sempre divisi e sempre uniti, fino agli anni in cui prima andarono a Salò e poi nella repubblica di Montefiorino. Il Giannino “cattivo ragazzo”, oppure quello carnevalesco che, con travisamenti e balordaggini, arriverà fino alla televisione, oppure quello costantemente temuto da una pedagogia perbenista e incapace di comprenderlo, e ancora molti altri “giannini”, devono convivere perché è inevitabile che sia così. Nei libri per gli adulti si sta sempre molto attenti a scegliere il tipo di barricata dietro cui collocarsi e forse morire: occorre essere addirittura Louis-Ferdinand Céline per inventarsi una barricata monoposto, e infatti Giannino un poco assomiglia al Ferdinand adolescente e ragazzino di Morte a credito.”

Illustrazione di Vamba

Vamba non scioglie il mistero e Giannino Stoppani è lasciato bambino alle soglie di un’adolescenza che non sappiamo se sarà felice e rassicurante, o deludente e accigliata. Se subentrerà la rassegnazione al proprio inevitabile destino sociale o se, con un colpo d’ala, sarà possibile riscattare gli ideali grandi dell’infanzia e della verità contro la menzogna e il tira-a-campare. Certo che, mentre sta faticosamente crescendo, Giannino sarà portato a risentirsi contro un destino che lo ha ridotto a misurarsi con la caricatura sempiterna di se stesso, monello a tutto tondo, briccone inguaribile, e a definirsi nei tempi come prototipo universale della ‘piccola peste’. Nomèa, questa, che accompagnerà sempre il povero Giannino, insieme al suo soprannome. Anche se lui avrebbe voluto altro. Ben altro.

Illustrazione di Vinicio Berti

Illustrazione di Vamba

Contrariamente a quanto successo all’altro libro cardine delle infanzie toscane, intendiamo dire Pinocchio, il Giornalino di Gian Burrasca è libro di pochissimi illustratori. I disegni che corredarono l’edizione di Vamba si attaccarono al personaggio come una seconda pelle da cui non riuscì a staccarsi. Nella finzione di Vamba quelli erano i disegni originali, fanciulleschi ed efficacissimi, di Giannino Stoppani e si fondevano in un unico corpo con le parole del racconto. Alla mancanza di interventi di altri illustratori giovò anche il copyright Bemporad (poi Marzocco e Giunti) che, fino al 1990, quando i diritti scaddero per il ricorrere dei settant’anni dalla morte dell’autore, non permise intrusioni. Unica eccezione lo stesso intervento dell’editore che, alla metà degli anni Cinquanta, commissionò a Vinicio Berti una nuova edizione del libro. Berti usò un’escamotage vincente: quello di disegnare la sua versione in sintonia con i primi disegni di Vamba, quasi che le sue tavole a colori fossero una specie di ‘fuori testo’ di quelli dell’autore, che continuava a veder stampate le sue figure in nero. Tanto è vero che l’edizione ancor oggi maggiormente diffusa del Giornalino è quella che vede le tavole a colori di Berti mescolate a quelle di Vamba. Anche allo scadere dei diritti non ci fu comunque ressa per disegnare Gian Burrasca. Unica versione da ricordare quella pubblicata da Nuages nel 2005, con i disegni a colori di Andrea Rauch che percorrono la stessa strada già praticata da Berti: accompagnarsi cioè ai primi disegni in bianco nero di Luigi Bertelli.

Illustrazione di Vinicio Berti

Maestri. 29. Javier Mariscal

2012-02-19T23:43:00.000-08:00

Grafico, industrial designer, illustratore, fumettista, pittore, animatore (con il film Chico e Rita è attualmente in corsa per l'Oscar), Javier Mariscal, nato nel 1950 a Valencia ma stabilmente radicato a Barcellona, ha acquisito fama internazionale con il disegno del Cobi e di Twipsy, le mascotte delle Olimpiadi 1992 di Barcellona e dell’Esposizione universale di Hannover del 2000.

Javier Mariscal, 2006

Luglio 2006. Nell’autobus turistico a due piani, che nei giorni d’estate porta turisti stanchi, accaldati e sudaticci a visitare, mordi e fuggi, le bellezze di Barcellona, tra la Sagrada Familia e la casa Millà, dopo la fondazione Mirò e il Museu de Arte della Catalogna, la ragazza bionda con il bolerino rosso istituzionale, sul lungoporto vicino al Palazzo del Mare, invita a guardare sulla destra dove si può ammirare il «gambero del grafico Mariscal, uno dei nuovi simboli di Barcellona».

Javier Mariscal, Gambero, 1988

Javier Mariscal è un uomo del sud, valenciano, trapiantato da sempre nel nord del paese, in quella Catalogna che è una specie di raccordo tra la Spagna della tradizione e il nord europeo. Barcellona è la città di Pepe Carvalho, delle Ramblas, delle architetture di Gaudì e dei disegni di Mirò. Di questa tradizione acquisita da sempre, di bella fantasia e creatività mai messa davvero in discussione e riconquistata, «come l’esplosione di un tappo di champagne», con il ritorno della democrazia, Javier è oggi una luccicante punta di diamante. Ingiusto forse definirlo come l’erede naturale dei Gaudi e dei Mirò, ma la citazione dei maestri e dell’ambiente, l’humus, è essenziale per capire il design catalano attuale, e quanta forza creativa libera e gioiosa possa essere espressa in ogni progetto.
Gaudì disegnò tutta la parte più fantasticamente nuova della città e fu artista grande e amato. La sua opera architettonica modernista è stata l’anima della Catalogna agli inizi del Novecento. Un meraviglioso delirio di forme. Poi venne Mirò e fu un rinnovato, continuo esaltarsi di colore e di luce.

I segni di Gaudì e di Mirò stanno ancora là e hanno avuto, proprio perché condivisi e amati, la forza di autorigenerarsi, di creare scuola, di ispirare seguaci, di emozionare allievi, di far crescere nuovi maestri.

Javier Mariscal, Gasolinera, 1982

A Barcellona nessuno riesce quindi a stupirsi dei segni e degli sberleffi di Mariscal, delle sue tessere colorate, della sua grafica ingorda di decorazione, che diventa con facilità istituzione, sia essa il Cobi, mascotte celebre per le Olimpiadi del ‘92 o il logo della città, quel Bar Cel Ona che occhieggia da tutte le t-shirt su ogni bancarella. È un segno che nasce dalla città e che ne succhia e restituisce la vita.

Javier Mariscal, Los Garriris, 1993

Javier Mariscal, Jazz Cobi, 1992

Javier Mariscal, Somos tres para cenar, 1990

Javier Mariscal, Cobi, 1987

«Quando sono arrivato a Barcellona – dice Javier – non potevo stare troppo tempo lontano dalle Ramblas: lì c’era la vita della città e di lì si doveva passare. Adesso le Ramblas sono un fiume di turisti in piena e la vita vera si è trasferita altrove, con nuove modalità e nuovi riti.
Quando sono stati costruiti i viali a mare per la città olimpica, a esempio, molti hanno preso l’abitudine ad andare in spiaggia con il metrò. Allora era stupefacente vedere viaggiatori in vestito da spiaggia, con il materassino, le paperette e i bambini con il secchiello. Oggi è tutto molto normale e quei “viaggiatori da spiaggia” sono spettacolo ormai quotidiano e consueto. Nessuno ci fa più caso. Sono diventati la norma. La città e le nuove abitudini li hanno digeriti.»

Javier Mariscal, Twipsy, 1999

«La sera si può vedere la torre di Jean Nouvel (una grande supposta alta quasi centocinquanta metri) illuminata con il rosso e il blu, i colori del Barça. La luce esterna è mitigata con un sistema di tapparelle che potremmo definire alla veneziana. Questa è una città mediterranea, calda, piena di luce e per vedere bisogna socchiudere gli occhi, altrimenti il sole può far male. La torre, con le sue tapparelle, sembra quasi che socchiuda gli occhi…»

Javier Mariscal, Petra, 1991

Javier Mariscal, Vespa, manifesto, 1996

Javier Mariscal, Arredo urbano, Tarragona, 19

I racconti di Mariscal e del suo lavoro, il loft che, alla periferia del lungomare, divide con cinquanta assistenti, gli oggetti che ne ingombrano in bella confusione ogni angolo (dai tavoli da disegno alle Vespe d’annata, dalle prove di serigrafia ai gadgets in ceramica o in plastica), sono degli aneddoti che diventano metafore. Il tratto immediato di penna che diventa pittura e colore, che entra nell’ambiente e si fa architettura, decorazione d’interni, design di prodotto, cartone animato, albo di fumetti. In continuità naturale con il contesto. Come nei grandi cactus (piante, ma anche sculture, ma anche specchi, ma anche segnali, ma anche arredo urbano) per l’Università di Valencia. Oppure come negli alberi della Pineda di Tarragona, che con i loro 26 metri fanno venire complessi di inferiorità da nanerottoli alle vicine grandi palme.

Javier Mariscal, Arredo Urbano, Valencia, 2005

Nei progetti di Mariscal la natura c’è sempre, ne è componente fondamentale. Ma c’è anche il lavoro, il progetto, la curiosità tecnica, l’amore per la soluzione dei problemi.

«Abbiamo disegnato una sedia, recentemente, utilizzando un solo foglio di plastica piegato, curvato e traforato con un sistema di fustelle semplice e razionale. Anche gli agganci per i tubolari che si piegano a diventare le gambe sono due soli punti con una connessione assai semplice.

La seduta poi è disegnata in modo che possa contenere dei grossi deretani. La sedia è prodotta infatti per il mercato tedesco e quindi per uomini grossi e corpulenti. Eppure c’è ancora qualche produttore di mobili che, alzandosi dalla riunione di lavoro mi dice: “Bene, signor Mariscal, quando le verrà l’ispirazione…” Ispirazione? Lavoro e progetto, studio dei particolari, disegno. Da qui viene l’ispirazione!»

Javier Mariscal, Sedie Miralook, 2005

La fantasia di Javier Mariscal che si innesca alla visione e all’analisi di un grosso culo da contenere in una sedia razionale, si nutre dei colori di Mirò e delle forme di Gaudì, e diventa un progetto da amare.

Testo tratto da: Andrea Rauch, Il mondo come Design e rappresentazione, Usher arte, 2009.

Maiali volanti

2012-02-18T14:45:00.004-08:00

Ogni giorno la sua pena, verrebbe voglia di dire a commento della notizia, riportata ieri dalla stampa, della futura messa all’asta di Battersea Power Station, la centrale elettrica di Londra dismessa dagli anni ottanta e che è famosa, non tanto come reperto di archeologia industriale. ma soprattutto perché prestò la sua immagine ad una delle copertine icone della musica rock, Animals dei Pink Floyd. Il maiale che vola sopra la città, stagliandosi su un cielo corrusco e intenso. Il gigantesco complesso è ormai inutilizzato da anni e ogni tentativo o progetto di recupero non ha avuto esito. La soluzione sarebbe ora, si legge, quello di abbattterlo e costruirci un palazzone capace di 1200 appartamenti. Ipotesi, però. Speriamo e crediamo che questo non succederà, considerando che Battersea, l’edificio in mattoni più grande d’Europa, è monumento nazionale e la sua skyline una delle più caratteristiche e suggestive della capitale inglese.

Hipgnosis, copertina per Dark Side of the Moon

Se i Pink Floyd furono una delle band più amate e seguite sulla scena del pop rock inglese e internazionale, si può ben dire che lo studio grafico londinese Hipgnosis fu il suo profeta. Quello che contraddistinse infatti l’atelier di Storm Thorgerson, Aubrey Powell e Peter Christopherson fu non solo la felicità di espressione e l’impressionante penetrazione della loro proposta (negli anni settanta progettarono anche per Led Zeppelin, Genesis, Peter Gabriel, Alan Parsons, Black Sabbath, Wings, Yes ecc.) ma anche la serietà quasi maniacale del loro operare.

I maligni aggiunsero a queste doti anche l’eccezionale esosità delle loro parcelle; si sussurrava che alla metà degli anni settanta il loro lavoro per una copertina di long playing costasse tra le quindici e le ventimila sterline.
La cura con cui Thorgerson e Powell allestivano i set delle loro campagne fotografiche diventò leggendaria. Basti pensare al maiale (Great Pig Escape) che, riempito di elio, se ne volò sopra Battersea Power Station nella copertina di Animals. Per ottenere quell’immagine ci vollero tre giorni di riprese, una ventina di fotografi e cineoperatori, elicotteri ecc.

Hipgnosis, copertina per Animals

Alla fine «the band were equally delighted», narra Storm, ma i Pink Floyd preferirono, per il cielo e l’atmosfera, le riprese effettuate il primo giorno (quando ancora non era stato lanciato in volo il maiale-mongolfiera). Le foto migliori del Great Pig erano invece quelle del terzo giorno di stage ma Battersea Power Station e il cielo non erano più al meglio. Dopo tanta fatica, impegno e spese si dovette quindi ricorrere a un fotomontaggio. La copertina di Animals riuscì bellissima, ricorda ancora Storm, ma Hipgnosis la considerò sempre un “fiasco” produttivo solenne.

Adesso, anche se non è certo detta l’ultima parola, su quel maiale volante e sull’edificio background potrebbe calare il silenzio. Anche se comunque il de profundis a Battersea Power Station, in ogni caso, sarebbe modulato, in eterno, dalla musica dei Pink Floyd.

Corvi bianchi per H.H.

2012-02-17T23:48:00.000-08:00

Gabriele Poeschke, responsabile della Sezione Italiana dell'Internationale Jugendbibliothek di Monaco di Baviera ci informa che "... il libro H.H. con il testo di Carolina D'Angelo e le illustrazioni di Marco Paci, pubblicato dalla Vostra casa editrice, è stato selezionato per The White Ravens 2012, la nostra selezione annuale dei migliori libri internazionali per bambini e adolescenti. Questa collezione di opere sarà presentata al nostro stand alla Fiera del Libro per Ragazzi a Bologna. I libri, scelti per la mostra di quest’anno, scritti in più di trenta lingue e provenienti da più di quaranta Paesi, sono stati selezionati tra le migliaia di opere che la nostra biblioteca ha ricevuto come donazione da case editrici, autori, illustratori e associazioni di tanti paesi durante l’anno scorso. La scelta dei libri italiani è stata fatta per la prima volta in collaborazione con la dottoressa Silvana Sola.
La mostra verrà accompagnata da un catalogo in lingua inglese che (...) sarà anche accessibile online dopo la manifestazione di Bologna all’indirizzo della Internationale Jugendbibliothek di Monaco: www.ijb.de."

La collezione della Jugendbibliothek è forte di circa 575.000 libri in 130 lingue ed è considerata una delle raccolte più prestigiose e autorevoli del mondo. Siamo naturalmente lieti di questa nuova medaglietta che Carolina D'Angelo e Marco Paci si appuntano in petto e che testimonia, ancora una volta, della bontà del loro lavoro.

I gatti di Alan

2012-02-16T23:44:00.000-08:00

Alan Fletcher, mitico tra i fondatori di Pentagram, uno degli studi di grafica più importanti e prestigiosi del mondo, è stato, negli ultimi cinquant’anni, uno dei grandi progettisti sulla scena internazionale, con la capacità e la fortuna di saper trasformare tutto in un progetto visuale significativo, da una macchia di caffè su un tovagliolino di carta a un segno di penna sul suo inseparabile sketchbook.

Naturalmente ciò che ne derivava, quasi automaticamente, era una peculiare capacità di analizzare le componenti del design, colore, linea, tipografia, di rifiutare le componenti inessenziali e di progettare con l’indispensabile. Che era, nel caso di Fletcher, una straordinaria sintesi tra semplicità, intelligenza e ironia. Il progettista rigoroso non sembrava, quindi, mai prendersi troppo sul serio; manteneva sempre un proprio olimpico distacco, ed è proprio in questo distacco, per contrasto, che si poteva cercare il momento in cui la serietà progettuale di Alan Fletcher era assoluta e completa.

Si potrebbero a questo punto citare una quantità di committenze prestigiose, un portfolio clienti sontuoso, esaltante. Ma, come dicevamo sopra, Alan amava forse più le piccole cose che disseminava nei suoi taccuini e che erano diventate, negli ultimi anni, una serie di bellissimi, piccoli album stampati in sinergia con una azienda grafica e una cartiera. Come questo sottile e prezioso libretto sui gatti, macchie d’inchiostro velocissime sulla carta, tratti di essenzialità perfetta, che, dei gatti, raccontano i tic, i modi, le pigrizie. Raffinate e magistrali prove d’artista.

Alan Fletcher, Cats, Gavin Martin Associates, 1999.

Maestri 28. Karel Thole

2012-02-15T23:45:00.005-08:00

Carolus Adrianus Maria Thole nasce in Olanda, a Bussum, nel 1914. Inizia la sua carriera di illustratore muovendosi nell'ambiente pubblicitario ed editoriale.
Nel 1958 si trasferisce in Italia, a Milano, e nel 1959 subentra a Kurt Caesar nella realizzazione delle copertine de “I romanzi di Urania”. Produzione ininterrotta, con oltre 1300 disegni, fin quasi alla morte, avvenuta nel 2000.

Karel Thole, copertina di Urania

Fruttero e Lucentini erano fermamente convinti che Karel Thole fosse una staffetta della prossima, inevitabile, invasione dalla spazio che, con il pretesto di illustrare copertine di fantascienza, venisse a mostrarci in anteprima le immagini dei mondi alieni per rendercele familiari.
D’altra parte è plausibile e sensata l’ipotesi che il Thole medesimo nient’altri sia stato se non un prediletto allievo di Rembrandt van Rijn rimbalzato, per una delle tante pieghe spazio-temporali possibili, dalle parti di Milano, sui laghi superiori, a Cannobio.

Karel Thole, copertina di Urania

Ipotesi che non coprono l’arco intero delle possibilità. Karel Thole sfuggiva infatti alle definizioni soprattutto perché tutte poteva riassumerle e a tutte poteva adattarsi. Era possibile vederlo goticheggiare, gotico tra i gotici, in quel libro ormai introvabile che si chiamò Le primavere del mostro (Quadragono, 1975) dove, mentre il testo di Piero Zanotto si avventurava nelle pieghe dell’horror cinematografico, il pennello di Thole indugiava sui tanti incubi che l’idea di ‘mostro’ suscita in noi, da quelli di cartapesta del cinema, appunto, a quelli ben più inquietanti che si annidano nel nostro immaginario privato.

Karel Thole, Le primavere del mostro, Quadragono 1975

Potevamo anche trovarlo intento a incipriare, con un suo pennino metaforico, il naso di una vezzosa damina veneziana, oppure a sottolineare, con la tempera che scava luci dal foglio nero, uno degli incubi cupi di Allan Poe; o ancora a popolare lande extraterrestri con piante e animali che cercano il futuro probabile in surreali ricordi da Max Ernst.

In ogni caso e sotto qualsiasi forma, invasore dello spazio, allievo di Rembrandt, o altro, Karel Thole (che beffa del destino lui, che alla fine della vita si trovò quasi cieco a disegnare con un monocolo-telescopio che si era costruito da solo!) rivendicò comunque soprattutto la dignità, la complessità e, perché no, la fatica del quotidiano lavoro, assai poco alieno, o forse proprio per questo alieno, di illustratore.

Famosissimo per le sue copertina di Urania e per il sodalizio quarantennale con le edizioni di Arnoldo Mondadori, Thole, quasi per contrasto con la ricchezza barocca e fantasmagorica di quelle immagini, aveva raccolto, in un prezioso catalogo per Nuages i suoi disegni più minuti, risalenti quasi tutti alla sua prima maturità in Olanda. Sono, quelli di questo Mosaico, disegni tracciati con raffinata pedanteria, eppure immediati e popolari: capilettere e finalini, azioni e ambienti, tutto l’armamentario consueto e colto dell’illustrazione europea.

L’allievo di Rembrandt van Rijn, all’epoca in cui tracciava questi disegni, non era ancora stato assoldato dalle Legioni dello Spazio, e il 'maestro del pennino' non aveva ancora incontrato il contiguo 'maestro delle tempere colorate'.

Karel Thole, Copertina per Fantomas, 1963

In qualche pagina di quel catalogo si getta, comunque, un ponte tra tutti i Thole possibili, i passati e i futuri. Le straordinarie illustrazioni scraper-board per il ciclo mondadoriano di Fantomas (primi anni sessanta) mostrano intere le potenzialità, quasi spirituali, che Thole scopre nella carta nera: «[...] una porta aperta su qualcosa che, dietro quella porta, è al buio completo: può essere uno spazio di due metri per due, ma può anche essere uno spazio infinito[...]»
Michelangelo, osservando un blocco di marmo di Carrara, non la pensava diversamente.

Karel Thole, Copertina per Fantomas, 1963

Testo rielaborato da: Andrea Rauch, Il mondo come Design e rappresentazione, Usher arte, 2009.

Libri recuperati. 14. Il pittore

2012-02-14T23:45:00.001-08:00

Ci sentiamo un po’ in colpa verificando che, nella colonnina a fianco, in mezzo alle centinaia dei nomi che rimandano alle voci del blog, non sia comparso (fino ad oggi però!) quello di Gianni Rodari. In colpa per aver trascurato con troppa disinvoltura l’autore italiano più importante che, nel trentesimo anniversario della morte, aveva visto fiorire intorno a sé iniziative editoriali complesse e continue.

L’anno anniversario correva nel 2010 e a nostra scusante possiamo dire che il blog di Prìncipi & Princípi non esisteva ancora.  
In ogni caso Gianni Rodari era stato autore cospicuo, in quantità e qualità, frequentato continuamente, in vita e in ricordo, da molti egregi illustratori (da Bruno Munari ad Altan) e non volevamo continuare nel latitare nel rendergli omaggio.  

Valeria Petrone ha illustrato per Emme, qualche anno fa, una delicata filastrocca su di un pittore povero che cerca i colori per dipingere, ma i padroni del Blu, del Giallo, del Verde e del Bruno lo cacciano via in malo modo: “… non gli dava retta nessuno!”. 

Ma il pittore un colore ce l’aveva di suo: il rosso del sangue e con una goccia “rossa come un falò di primavera/ rossa come una bandiera/ come un milione di rose…” tinse in un istante la tela intera. Il povero pittore si sentì dunque più ricco di un imperatore, perché quel colore era quello della speranza, della generosità, della fiducia in un mondo dove i colori non fossero più controllati da padroni bisbetici e arcigni ma a disposizione di tutti, anche dei pittori poveri.

Sbagliamo se nella filastrocca di Rodari vediamo un risvolto politico che non ci dispiace per niente?

Gianni Rodari, Il pittore, illustrazioni di Valeria Petrone, Emme edizioni 2006. euro 12,90.

Doccino a Liblab

2012-02-13T23:32:00.000-08:00

Libreria Liblab, Sesto Fiorentino

Gratificante che una nuova libreria inizi il suo percorso con un laboratorio su un nostro libro fresco di stampa! Liblab, a Sesto Fiorentino, organizza per questo fine settimana di fine carnevale, un laboratorio con Simone Frasca, che racconterà e disegnerà il suo Doccino tante storie, libro di cui abbiamo già parlato.

Addobbi di Carnevale a Liblab

Spazio Caffetteria

Sabato pomeriggio 18 febbraio, quindi, con o senza merenda (la potete acquistare là perché Liblab ha anche un servizio di caffetteria), tutti con il naso in aria ad ascoltare Simone che ci racconta la storia del gattino che attraversa le storie e si trasforma. E poi, magari, possiamo ritagliare e disegnarci un Doccino a nostra misura. Già, ma quale libro vorremmo attraversare per trasformarci anche noi?

Liblab
Via Gramsci 327 Sesto Fiorentino
tel. 055 3851476
info@librerialiblab.it

Duilio Cambellotti e il Palio di Siena

2012-02-12T22:33:00.000-08:00

Verso la fine degli anni '20 Piero Misciattelli, storico senese, fu incaricato dal Monte dei Paschi di Siena della stesura di un testo sul Palio e sulle Contrade e Duilio Cambellotti, uno dei più celebri e versatili artisti dell’epoca si incaricò dell’apparato iconografico che lo occupò per tutto il 1929 e 1930. Cambellotti, insieme al figlio Adriano, si dedicò allo studio dell’araldica contradaiola, dell'urbanistica cittadina e dei vari momenti della Festa, ricavandone moltissime foto e schizzi, a cui seguirono delle tempere preparatorie, base per la pubblicazione del libro, di grande formato, che fu edito, nel 1932, dalla Editrice Novissima di Roma in 1000 copie, e che si intitolò Il Palio di Siena.

Tempere 'preparatorie' quelle di Duilio Cambellotti, appunto, perché quei disegni altro non sono che un ‘semilavorato’, la traccia perché i colori fossero poi inseriti, con luminose tinte piatte, nei documenti litografici per la stampa. Il risultato cromatico è straordinario ma, detto del fatto tecnico, non si possono certo passare sotto silenzio le altre caratteristiche del lavoro.

La composizione dei gruppi di figuranti delle Contrade, innanzitutto, diversa dall’uno all’altro gruppo senza mai ripetizioni o cedimenti; l’intrecciarsi dei colori di livrea dei costumi e delle bandiere che si dispongono nella pagina in modo da creare un tutto unico, pur mantenendo la loro singolarità; il rapporto tra contrada e urbanistica del suo territorio, con i monumenti e gli edifici noti o tipici che vengono a far parte integrante del gruppo ma che si dispongono in secondo piano, mantenendo la loro importanza visiva senza turbare, anzi esaltando, l’ordine della composizione.

Una sola concessione, anzi diremmo un vezzo, alla straordinaria personalità dell’artista. Gli animali totemici (la civetta, la lupa, la chiocciola…) non sono quelli che all’epoca si vedevano sugli stemmi, sulle bandiere e sui costumi, ma una variazione ‘personale’ di Cambellotti che sembra rivendicare, dopo il fitto e puntuale lavoro di ricognizione storica, topologica e vernacolare, un pizzico di autonomia creativa.

Un lavoro, quello dell’artista, davvero straordinario e un libro bellissimo. Peccato che le poche copie rimaste in giro siano finite nelle botteghe di certi librai antiquari che, in genere, ne tagliano le pagine per rivenderle come ‘stampe’ uniche (a prezzo non decisamente economico). Chi ne ha una copia integra se la tenga stretta!

Aquila

Bruco

Chiocciola

Civetta

Giraffa

Leocorno

Lupa

Nicchio

Oca

Onda

Pantera

Insieme alle immagini delle Contrade, il libro presenta anche gli aspetti salienti della festa senese, dalla numerazione dei cavalli, alla tratta, al corteo storico, alla mossa e la corsa. Pubblichiamo, di seguito, alcune delle illustrazioni di Duilio Cambellotti a corredo di un saggio di Alessandro Savorelli, esperto di araldica storica e nostro abituale collaboratore, scritto per un suo libro dedicato alla simbologia del Palio di Siena (Alessandro Savorelli, Il Palio di Siena e i suoi simboli, La Mandragora, 1999)

I segni delle contrade di Siena
Alessandro Savorelli

«Prendo quello!». La scelta cade su un animale, un dettaglio gradevole, un accozzo di colori. È così che migliaia di turisti l'anno si mettono in valigia uno dei 17 animali-totem senesi (forse la serie di simboli antichi mediamente più nota nel mondo), sotto forma di gadgets, di una ceramica, in cartolina. O magari di un fazzoletto da contradaiolo o di una bandiera: uno «zoo di stoffa» che si aggiungerà allo «zoo di vetro» (The glass menagerie, era il titolo di una nota commedia di Tennessee Williams) o di legno o altro, gli animaletti-soprammobili, insomma, che tutti abbiamo per casa. Se poi qualcuno avrà comprato un libro sul palio o sull'«araldica del palio», l'autore si incaricherà di spiegargli, durante la noia del viaggio di ritorno, il motivi occulti della sua scelta: proprio come quei libretti che vi dicono, a seconda del vostro nome di battesimo, che carattere, tendenze e gusti avete, le letture che fate, i fiori che preferite… (...)

Forse il difetto è nella domanda: come i «perché» dei bambini, essa è acuta e posta male al tempo stesso, ed è perciò rimasta senza risposta, o — che è quasi lo stesso — con troppe risposte, che spiegano tutto e niente. Quando si saranno interrogati gli archetipi di Jung, classificati i simboli “di terra” e “d'aria”, rubricati gli elementi ying e yang, quelli “maschili” e “femminili”, compulsati i lessici dell'araldica e i repertori delle allegorie, studiati i rituali delle religioni primitive, e così via, ci si sarà certo arricchiti di una vasta erudizione, e si saranno apprese tante notizie curiose: ma non credo si sia fatto un concreto passo avanti per risolvere il problema. Sì, sarebbe bello a ritroso nel tempo potersi trovare nel momento preciso delle motivazioni della scelta di un simbolo. Avremmo tutto chiaro: ma sarebbe come riandare all'istante in cui nascono i miti, le favole o le lingue. E lo storico, il linguista e l'antropologo sanno che è un'illusione. Davvero si vuol credere che una volta elencati i significati magici attribuiti a un certo animale dagli egiziani, dagli aztechi, dai cinesi o dai kikuyu, sapremo qualcosa sul perché — fra '300 e '500 — quel dato animale è arrivato sulla bandiere delle cacce e poi del palio, come se il palio fosse un concentrato dell'antropologia e della simbologia di tutti i tempi e paesi? E sul serio ci si dispone ad attribuire significati esoterici a figure e colori? (...)

Diffidate a priori di chi ricanta la storiella che un certo animale rappresenta la prudenza o il coraggio, o un certo colore l'amore, la fede o il cielo! Nella maggior parte dei casi si tratta o di una banalità o di un'invenzione da rotocalco (che il leone sia coraggioso, la lepre timida, il cielo azzurro e così via, è lapalissiano). Si tenga piuttosto a mente che in politica, in guerra, nello sport, in pubblicità, c'è una regola banale e semplicissima che regola la scelta dei colori: distinguersi dal vicino o dal nemico o dal concorrente: altro che alchimia e tarocchi! (…)

Il nuovo che avanza

Chi si ponga seriamente a studiare i simboli delle contrade dovrebbe preliminarmente valutare quello che essi «non sono», prima di poter dire qualcosa su «quello che sono»: può darsi infatti che sia istruttivo apprendere prima di tutto cosa «manca» in quel repertorio di simboli. Non è infatti — procedendo per successive riduzioni — un elenco di simboli universali, dove mancherebbero il sole, la luna, gli elementi, la croce e tante altre figure e cose; ma solo un bestiario, tanto che anche le contrade che non prendono nome da un animale (Onda, Selva, Torre), finiscono poi per assumerne uno. Ma, di nuovo, quale bestiario? Non uno qualsiasi. Non è in primo luogo un bestiario “araldico” in senso stretto: si parla spesso di “araldica delle contrade”, ma occorre considerare che quei simboli hanno subito una "araldizzazione" solo di recente, coll'inserimento, alla fine dell'800, di segni e figure sabaude (croci, nodi, rose, margherite, iniziali etc.). In origine l'aspetto dei simboli delle contrade, così fluido e naturalistico, è abbastanza lontano dallo stile stereotipo e irrigidito dell'araldica medievale: e lo stesso vale per i colori, come per esempio. l'arancione, il rosa, il rosso "vinato", o per le loro combinazioni, talora araldicamente eterodosse.
Anche la scelta degli animali delle contrade è assai singolare: chi faccia un elenco dei più diffusi animali araldici almeno fino al '400, vi troverà solo una piccola parte di quelli del palio (aquila, montone, drago, nicchio, oca, delfino; semmai qualcosa delle contrade soppresse: leone, gallo, vipera, orso), e viceversa, non rinverrà nelle contrade molti di quelli più comuni (grifo, leone, pesce, cinghiale, cervo, cavallo, toro, cane, serpente, falco, cigno etc.). Non è in secondo luogo un bestiario edificante e moraleggiante come quelli della tradizione devota: anche in questo caso, se si compila un elenco degli animali dei classici bestiari medievali, in cui ad ogni animale è assimilato un carattere morale o una metafora biblica, gli scarti (presenze e assenze) dall'elenco delle contrade sono assai notevoli. Forse qualche residuo agiografico c'è ancora (la civetta? il drago?), ma — si direbbe — totalmente irriconoscibile, ridotto a puro segno fantastico e sottratto ad ogni intento pio. No: gli animali del palio non sono dei sussiegosi e frigidi sputasentenze sul valore, la prudenza, la saggezza, la mitezza, la pazienza e quant'altro. Non coincide, si potrebbe continuare a lungo, nemmeno col bestiario — molto generico — della tradizione letteraria, di quella alchemica, zodiacale e magica. E nemmeno con quello "popolare", domestico e naïf della decorazione delle stoffe, delle ceramiche e dell'ebanisteria: c'è l'oca, ma vi mancano lepri, cervi, cinghiali, pavoni e uccelli d'ogni sorta, etc.

Simboli a sorpresa

Quello delle contrade è dunque un bestiario sui generis che attinge sì un poco — e non potrebbe essere altrimenti — a tutti gli altri bestiari, e li riscrive a modo suo, ma che non s'identifica con nessuno di essi, ed è nell'insieme assai poco classico, anzi, si direbbe, esplicitamente non tradizionale: piuttosto che all'araldica vera e propria, esso si rifa all'“emblematica” del Quattro e del Cinquecento, che rivisita un'iconologia classica (per esempio la lupa e i gemelli, l'oca capitolina, il delfino e la civetta della mitologia) o ne crea una nuova, di “imprese”, svincolate dallo zoo più comune.
Il bestiario del palio appare segnato da una sua logica complessiva, che non andremo a cercare nei criteri dell'identificazione con una virtù o un concetto astratto, come nella letteratura medievale, o in remoti mondi magici. Sembra che si lasci dominare invece da elementi più nuovi, tipicamente rinascimentali: vi scorgiamo infatti il gusto dell'eccentrico e dell'esotico (giraffa, liocorno, pantera, rinoceronte, elefante), la logica del piccologrande o del microcosmo (bruco, chiocciola, nicchio), la ricerca dello stupefacente e del meraviglioso (animali che si trasformano o contengono una “sorpresa”: nicchio, chiocciola, istrice, tartuca: che operano piccoli prodigi — bruco —, o sono misteriosi per definizione — civetta —). Queste logiche non mostrano più tanto l'animale-exemplum dell'enciclopedia medievale, che rimanda a un mondo trascendente, ma sembrano dettate da una fresca curiosità postmedievale e premoderna.

Ci sarà forse a monte della scelta di un determinato animale l'insegna di un clan locale, l'impresa di qualche generoso mecenate del palio, il cimiero di una personalità emergente, l'allusione a un santo o a un personaggio conosciuto, un fossile della simbologia delle antiche "compagnie" militari: ma chi lo ricorda più? L'importante è che quegli animali-simboli si sono fissati in un catalogo di immagini mentali e in processi d'identificazione collettiva, che ha finito per oscurare il senso – contingente ed effimero – della loro primitiva origine. (…)

Fossili vivi e vegeti

Il bestiario del palio è insomma un catalogo di animali volutamente stravagante, e — salvo alcune eccezioni più arcaiche e ancorate nella tradizione simbolica e iconologica — decisamente diverso. Ed è, infine, il catalogo di un esotico molto datato, e improvvisamento invecchiato intorno al '7-800 con l'allargamento dei confini del mondo e lo sviluppo delle scienze naturali.
Se dovessimo reinventarlo oggi forse penseremmo, in un'ottica in fondo non lontana dagli antichi contradaioli, di nuovo ad animali altri, animali-limite, semiestinti, ai confini della nostra fantasia e del nostro pianeta divenuto una sola invadente metropoli, magari inconsciamente attinti dalla pubblicità e dai mass-media: che so, il panda, il koala, il canguro, il bisonte, la balena, il coccodrillo, la foca, il gorilla, l'orca, il condor, il cobra; o più oltre, alle equivoche creature della fantascienza.
Che lo «zoo di stoffa» delle contrade — fossile datato d'altri immaginari — sia sopravvissuto, mentre il meraviglioso diveniva di colpo quotidiano e banale, e faccia ancora il giro del mondo (e costringa a interrogarsi sul suo senso) è, di per sé un piccolo miracolo semiotico. Un miracolo del palio.

Libri, supermercati, prezzi, cultura

2012-02-11T00:18:00.000-08:00

Tutti abbiamo avuto tra le mani quelle informative dei grandi supermarket (Coop, Esselunga…) dove si annunciano le offerte, le novità, le occasioni della stagione, del mese o della settimana. Quasi sempre diamo un’occhiata ai prezzi, prendiamo nota di cosa manca in dispensa, o in frigorifero, e dimentichiamo il resto. Errore! A volte vale la pena di dare una scorsa più attenta a questi giornaletti perché, se non si limitano alla sola offerta commerciale, possono offrire informazioni e spunti di riflessione di un certo interesse.
Così questo mese ci è capitato di leggere sull’Informatore Coop (area Toscana) la lettera di un cliente che pone il problema della distribuzione e vendita dei libri all’interno dei grandi magazzini di quell’azienda. Pubblichiamo la lettera e la risposta del direttore dell’Informatore riservandoci, in calce, un breve commento.

Ho notato che in tutti i supermercati Coop c'è un angolo dove si vendono i libri a prezzi sempre scontati. Non so se siete al corrente che in questi giorni ha chiuso una delle più importanti librerie della nostra città. Mi chiedo e vi chiedo, quale può essere l'interesse economico per Coop di avere degli angoli più o meno grandi dove acquistare dei libri. Le librerie chiudono anche perché si fa concorrenza, oserei dire, quasi sleale, dal punto di vista etico naturalmente. La Coop tratta l'oggetto libro, come scatolette, uova o frutta, non investe come fanno le librerie in personale specializzato che ti guida e ti aiuta nelle scelte. Per salvare quel po' di cultura che ci resta ancora, un bel gesto sarebbe di togliere questi angoli dei libri e che la gente vada a comprarseli in libreria.
Giulio Mazzetti – Firenze

Il problema più grande delle librerie non è la concorrenza della grande distribuzione, ma il fatto che in Italia ci sono pochi lettori: solo il 5% degli italiani legge un libro al mese e, nella maggior parte dei casi lo compra in libreria (75 libri su 100 sono venduti lì); la grande distribuzione (super e ipermercati) copre appena il 15% del mercato, e quel poco che resta passa per le edicole, le fiere, internet. Per noi avere un piccolo reparto per i libri è un modo di contribuire alla loro diffusione, non tanto un'occasione per incrementare le vendite: forse renderebbe di più mettere in quel piccolo spazio bottiglie di vino o di birra! Invece, la cultura è anche un nostro impegno, e riconoscere al cliente il 15% di sconto è un modo per stimolare la gente a leggere. Anche perché i libri spesso costano troppo e non tutti se li possono permettere. Ed è questo un altro grave motivo di crisi delle librerie e dell'editoria in generale.
Antonio Comerci – Direttore Informatore Coop

(p&p) Dove si dovrebbe dedurre, a fronte delle obiezioni di un 'cliente' interessato che la grande distribuzione si erge in qualche modo a paladina della cultura e della lettura in spazi che certo renderebbero di più se dedicati alla birra e al vino. Risposta virtuosa ma ipocrita, viene da dire, perché sposta l’attenzione sul fatto che i libri “… costano troppo e non tutti se li possono permettere. Ed è questo un altro grave motivo di crisi delle librerie e dell'editoria in generale.”

Noi abbiamo avuto scarse frequentazioni con la grande distribuzione e in ambito (quello regionale) ancor più ristretto e marginale di quello che segnalava il lettore.
È vero che la Coop pratica uno sconto ai clienti del 15% sul prezzo di copertina ma è anche vero che impone all’editore, in conto proprio e/o per mezzo del distributore dedicato, uno sconto del 60% e il conto deposito. Vale a dire un buon 10% in più di un normale rapporto di distribuzione nelle librerie, senza alcun obbligo di acquisto da parte del 'negozio' venditore. Ne consegue che a fare lo sconto ai potenziali clienti non è la Coop ma l’editore.
Allora, i libri costano troppo? E perché costano troppo? E chi sono le virtuose vergini che difendono i lettori?

Le cortesie più piccole

2012-02-10T09:48:00.000-08:00

Sfidando la neve, la possibile tormenta, l’ingorgo nel centro città e chissà quanti altri pericoli, domenica 12 febbraio alle ore 19.00, al Caffè Letterario Le Murate, Piazza delle Murate, Firenze, vi consigliamo di visitare la mostra Le cortesie più piccole, illustrazioni originali di Brunella Baldi tratte da Non c'è nave che possa come un libro, di Emily Dickinson, Motta Junior Editore.

Bellissime poesie, bellissimi disegni e brindisi scacciafreddo e malinconia.

Maestri 27. Paolo Guidotti

2012-02-08T23:52:00.000-08:00

Paolo Guidotti nasce a Firenze nel 1938. A Milano dai primi anni Sessanta si occupa di illustrazione e grafica editoriale. Art director Rizzoli dal 1971 al 1981, ha collaborato anche a lungo con Mondadori e Club degli Editori. In anni recenti si è dedicato sopratutto alla pittura e alla scultura affermandosi con una personale cifra stilistica.

Paolo Guidotti, 2006

Autobersaglio, 1991

Per Paolo Guidotti mirare al bersaglio significa soprattutto «... astrarsi dai rumorosi baracconi che ci circondano, per riuscire a guardare verso un punto solo, isolandolo dalla babele di luci e colori (Renato Besana)».
I bersagli che Guidotti disegna non appaiono soltanto, di conseguenza, oggetti dalla forte valenza estetica né semplici reperti di un’archeologia da bric à brac; sono le esche cui abboccano (in un sottile gioco di legni, colore, carta, metallo) spezzoni di storia o echi di cronaca, pretesti narrativi che coniugano la grande guerra con il tiro al merlo, le calaveras messicane con il regio Tiro a segno.

Paolo Guidotti, per «riuscire a guardare verso un punto solo» sceglie e trasforma la materia con la meticolosa attenzione di chi opera in quella terra di frontiera che si spinge (parafrasando il titolo di una mostra di qualche anno fa), sino al greto del fiume urbano.
Nella risacca che frantuma, sbriciola e leviga le storie quotidiane vengono individuati e catalogati con pignoleria i frammenti che possono ancora suscitare sensazioni.

Calendario Caleidoscopio messicano, tre tavole, tecnica mista, 2005

Guidotti non tradisce mai, in questo, la sua vocazione di narratore di storie minime. Ogni oggetto fa riaffiorare un ricordo, rivivere un’emozione. Non object trouvée che serva a testimoniare, assoluto e ineludibile, lo scorrere del tempo, ma madeleine che, dopo l’eccitazione del ricordo, faccia da coagulante per una nuova invenzione.

Diavolo, tecnica mista, 1991

Volto, tecnica mista, 1991

Devil, tecnica mista, 1996

Paolo Guidotti è un discreto e sottile rigattiere della memoria. I suoi materiali sono, alla rinfusa, frammenti di imballaggio, lamierini di recupero, smalti, scatole di sigari, occhi di vetro. Ma attenzione: nessuno di essi vive senza l’intervento affettuoso e severo dell’artista, né senza il supporto essenziale e vitale del suo immaginario.
Un pezzo di legno scheggiato può essere dunque la testa di un gatto; una falce di metallo mangiata dalla ruggine un quarto di luna. Solo a patto, però, che si voglia ritrovare quel gatto o quella falce di luna, facendoli riemergere da un antico ricordo d’infanzia o da un frammento di recente esperienza.

Guidotti è un solitario. Noi ce lo immaginiamo sempre per strade di notte, con gli occhi a terra, a chiedersi quali vicende siano state gettate via, oggi, dallo scorrere isterico di quel metaforico fiume urbano. Quali emozioni si siano arenate nei rifiuti che ingombrano gli angoli delle città.

Con un gesto di colore Paolo permette ai detriti di questa civiltà di raccontare ancora una storia, ancora una favola.

Acrobata, tecnica mista, 1999

Testo tratto da: Andrea Rauch, Il mondo come Design e rappresentazione, Usher Arte, 2009

Eugenio e Guido: compagni di scuola

2012-02-07T23:55:00.000-08:00

“Qual è il quid che contraddistingue Golia e che lo fa caricaturista e illustratore unico e irripetibile? Sembrerà una banalità: ma la prima dote di quel suo segno allampanato, magro e ironico è la sua surreale, stravolta eleganza. Golia che era, prima di tutto, un uomo elegante, era elegante sempre, sulla pagina…” (Alfredo de Barberis)

Guido Gozzano, Golia (illustrazione), La Principessa si sposa, Treves, 1917, Einaudi 1973

Uomo e disegnatore elegante quindi, Eugenio Colmo, Golia per gli amici fin dai banchi di scuola, per la sua altezza, forse straordinaria per il periodo che visse. Elegante soprattutto per il disegno, nitido e asciutto, preciso e lineare, senza sbavature né incertezze. Elegante anche per frequentazioni perché, nato nel 1885 nella Torino ancora intimamente sabauda, anche se non più capitale, ebbe a frequentare il ginnasio e il liceo con Guido Gozzano compagno di classe. Con Gozzano Golia farà un bel pezzo di strada e gli atteggiamenti dell’uno sono specchio della personalità dell’altro. Entrambi si iscrivono a legge, dopo il Liceo, entrambi si allontaneranno dall’Università senza giungere alla laurea, entrambi daranno vita, nel 1914, a Numero, giornale satirico cui collaborarono tutti i migliori talenti grafici dell’epoca, da Sergio Tofano a Filiberto Scarpelli, da Bruno Angoletta a Giovanni Manca.
Guido Gozzano comporrà per il giornale la Ballata dell’Uno che finge che il primo numero del giornale sia andato esaurito (in edicola Numero uscì infatti dal numero, e scusate il bisticcio, 2).

L’Uno è tutto esaurito
Non lo trova più nessuno
A chi dà copia dell’Uno
Un milione è profferito.

Guido Gozzano, Golia (illustrazione), La Principessa si sposa, Treves, 1917, Einaudi 1973

Guido Gozzano muore giovane nel 1916 e Golia illustra, come estremo omaggio all’amico perduto, le sue fiabe, in parte già pubblicate dal Corriere dei Piccoli. Che resteranno esemplari nella storia della novellistica, ancora per eleganza certo, ché Gozzano era scrittore di estremo rigore formale, e anche perché sembrano redatte con un occhio alle teorie morfologiche di Wladimir Propp (ma attenzione siamo più di dieci anni in anticipo sullo studioso russo).

La Principessa si sposa, che Gozzano scrive e che poi Golia illustra, pare una raccolta di esempi didattici, tanto le fiabe possono essere sezionate ed esaminate ‘a freddo’, quasi sul tavolo dell’anatomopatologo.
In esse si trovano tutti gli archetipi della fiaba. C’è l’eroe, la fanciulla, l’incantamento, la prova, il superamento della prova, la ricompensa. C’è il re padre affatturato, ci sono gli animali parlanti e tutto, naturalmente, sempre in numero di tre (tre le principesse, tre le scrofe fatate, tre i talismani, tre i doni…). Ogni rigo e ogni situazione potrebbe essere incasellata in uno degli schemi della Morfologia proppiana.
Fiabe che, per sapienza e lucidità di lingua, sono esempio di composizione, artificio letterario e poetico, completamente fuori del tempo ma proprio per questo, esemplarmente didattiche.

Per Golia dovrebbero essere ripetuti gli stessi aggettivi e analisi, tanto i suoi disegni appaiono perfetti per quelle storie e per quello scrittore. Illustrazioni ‘sottovoce’, mai strillate o sopra e righe, dove mai si calca la mano o si sconfina nei mondi dell’angoscia o della tenebra. O del morboso.

“Nelle illustrazioni di Golia non scorgi nessun complesso universo onirico, non c’è nessun segn sogno / segno proibito; c’è piuttosto molta tenerezza, molto abbandono e molta limpidità…” (AdB)

Per saperne di più si veda Madamine, Ministri, Midinettes. Golia (Eugenio Colmo). A cura di Paola Pallottino, Cappelli editore, 1979.

Guido Gozzano, Golia (illustrazione), La Principessa si sposa, Treves, 1917, Einaudi 1973

Quarant'anni di Libreria dei Ragazzi

2012-02-07T03:34:00.000-08:00

Cercavamo le parole per raccontare i quarant'anni della Libreria dei ragazzi di Milano e il sodalizio, di vita, d'impegno, di lavoro, di Roberto Denti e Gianna Vitali, quando, per uno dei tanti tam tam in rete, ci giunge questo ricordo di Loredana Farina. Perfetto, diremmo, per riandare con la mente a quel 1972 e per valutare quanta strada da allora sia stata fatta, anche e molto per merito di Gianna e Roberto. Lo mandiamo senz'altro in rete. Speriamo che Loredana ne sia contenta. A Gianna, a Roberto alla 'loro' Libreria dei Ragazzi mille di questi quarant'anni.

Bisognerebbe che fossi capace di raccontarvi come andavano le cose prima…
All’inizio degli anni settanta i più bei libri per bambini e ragazzi – quelli entrati a farne la storia – erano già stati pubblicati quasi tutti: Piccolo blu e piccolo giallo, Il palloncino rosso, Sembra questo sembra quello, Federico, Nella nebbia di Milano, Nel paese dei mostri selvaggi, Flicts.
Favole al telefono è del 1962. Ma, se volevi vederli tutti insieme questi libri (quasi tutti Emme), non sapevi mai dove trovarli. C’erano le cartolibrerie che – quando andava bene – li mescolavano a matite e penne biro: sapore di scuola. C’erano le librerie di varia che – quando andava bene – li esponevano una volta l’anno per Natale: sapore di regalo impacchettato.
L’immagine che si aveva degli autori di questi libri e degli addetti ai lavori era quello di maestre in pensione e zie zitelle.

Ma un bel giorno - nel 1972 - a Milano, in via Tommaso Grossi, apre la Libreria dei Ragazzi, con affaccio su una delle vie più centrali della città e fra le più frequentate grazie alle fermate di numerosissime linee tranviarie. Era piena zeppa solo di libri per bambini e ragazzi: tutti libri coloratissimi, esposti di piatto sugli scaffali. E i libri erano tanti, proprio tanti! Sia al pian terreno, che nella saletta al sottopiano cui si accedeva scendendo una scala a U. E là sotto ne succedevano di tutti i colori. Venivano organizzate presentazioni, incontri e dibattiti di volta in volta sempre più affollati. E a parlare venivano chiamate persone esperte e con gli occhi intelligenti che dicevano cose importanti, che scaldavano il cuore, su libri, ragazzi, scuola, società. Niente maestre in pensione. Niente zie zitelle.

Roberto Denti e Gianna Vitali: quarant'anni di strada

I pionieri di questo posto erano un bel signore alto e bruno, molto gentile ed estroverso. E una biondina timida, ironica, colta e con un bel caratterino.
Un posto dove uscire dalla clandestinità e dove incontrarsi a parlare di libri per ragazzi. Un posto dove si respirava un’aria speciale e dove noi che ci occupavamo (e ci occupiamo) di quei libri ci accorgevamo con sempre maggiore chiarezza che il nostro è un mestiere di cui essere fieri. Un mestiere bellissimo.

Loredana Farina

Un Canto di Natale

2012-02-06T23:26:00.000-08:00

Tempo di bicentenari questo 2012. Avevamo appena fatto in tempo a ricordare che proprio in quel 1812 era stata pubblicata la raccolta delle Fiabe dei Fratelli Grimm che subito la cronaca ci ha rammentato la nascita di Charles Dickens. Alias del Manifesto ha dedicato domenica 5 febbraio alcune pagine allo scrittore inglese. Tra gli altri contributi (di Francesca Lazzarato, Mario Lavagetto, Clotilde Bertoni, Stefano Jossa) anche una riflessione di Andrea Rauch sull'illustrazione del Canto di Natale.
La ripubblichiamo di seguito.

Prima edizione del Canto di Natale; illustrazione di John Leech, 1843

La fredda Londra della miseria e della diseguaglianza
Andrea Rauch

A Christmas Carol, scritto da Charles Dickens nel 1843, in poco più di due mesi, per essere pubblicato in tempo per le feste natalizie (una strenna diremmo oggi), fa parte di una serie di cinque racconti dedicati al Natale che l’autore pubblicò fino al 1848 e che, sotto l’apparenza di favola edificante, descrivono uno dei temi più cari all’autore inglese, quasi un nervo scoperto: la vita dei ceti sociali economicamente svantaggiati (i ‘poveri’ si sarebbe detto in tempi di no politically correct) e la denuncia vibrante delle situazioni di sopruso e pregiudizio. In questo Dickens è coerente con se stesso e aggiunge una tessera a quel gigantesco mosaico letterario che sarà il suo carattere distintivo e necessario. Il racconto della Londra tetra e austera, la Londra fredda della miseria, della disuguaglianza, dell’ingiustizia, è centrale nel Canto di Natale e l’arido Ebenezer Scrooge, con la sua leggendaria e antonomastica grettezza morale, ne è l’alfiere ineguagliabile e ineguagliato.

Ma naturalmente tutto ciò è storia e se noi oggi leggiamo ancora il Canto di Natale, certo non lo facciamo per la sua vena popolare e populista. Il Canto di Natale, al di là del suo innegabile fascino letterario, è uno dei libri che più ha avuto la ventura di stimolare l’immaginario dei lettori e di prestarsi, nel tempo, ad essere indagato dalle matite e dai pennelli di tanta grande illustrazione. A cominciare da quel John Leech, disegnatore del Punch, che ebbe per primo l’onore e l’onere di dar volto all’avaro Scrooge e ai tre spiriti del Natale. Per poi passare, in rapida e certo molto parziale carrellata, a Arthur Rackham, Libico Maraja, Lisbeth Zwerger, Roberto Innocenti; senza dimenticare Carl Barks che, ispirandosi all’avaro dickensiano, diede vita nientemeno che al suo Paperon de’ Paperoni (Uncle Scrooge, appunto, nell’originale disneyano).

Arthur Rackham, 1915

Lo spazio di quest’articolo non ci consente di esaminare diffusamente gli illustratori che si sono occupati del Canto. Ci vorremmo però almeno soffermare su due degli artisti, forse significativamente situati in anni molto lontani del percorso: Arthur Rackham, che illustra il libro nel 1915 e Roberto Innocenti che vi si dedica nel 1990.
Due estremi, non solo epocali, inseriti, il primo in quella sorta di new age liberty che voleva essere anche la risposta a un troppo rigido formalismo vittoriano, e il secondo in una sacca di iperrealismo che lascia scorgere da una parte la ricostruzione puntuale degli ambienti e dei personaggi e dall’altra la loro sostanza irrealmente stralunata.

Arthur Rackham, 1915

Quando Rackham si avvicina al Canto di Natale ha già illustrato Alice in Wonderland e Peter Pan in Kensington Gardens e ha, quindi, già costruito il suo universo di riferimento ideale, popolato di elementi tra loro eterocliti e discordanti. Nela città e i giardini disegnati da Rackham si muove sempre con disinvoltura il 'piccolo popolo', le fate volano libere, la regina Mab tiene corte e il Cappellaio Matto prende il tè con la Lepre Marzolina.

Arthur Rackham, 1915

Certo, la Londra di Dickens non è un Paese delle Meraviglie, e nemmeno quella che dipinge Rackham vuole esserlo, ma l’atmosfera che l’artista fa intravedere nei suoi disegni nervosi ed eleganti, anche quando affronta gli aspetti macabri e angosciosi del racconto, appare sempre irreale e leggera. Una fiaba appunto.

Arthur Rackham, 1915

Roberto Innocenti invece si immerge nella Londra di Dickens e ne succhia l’anima, quasi con un’istintiva lettura ‘politica’ del testo. Le vie fredde e cupe appaiono in tutto come la proiezione di uno stato d’animo scostante, il ritratto di una dolorosa miseria sociale e personale. I mattoni dei muri della città sono neri e opachi di nebbia e carbone. Nelle strade costipate, su per le scale buie, nei vicoli abitati da un sottoproletariato cencioso, degradato, inquietante, i fantasmi del Natale passato, presente e futuro mostrano a Ebenezer Scrooge la desolazione della sua vita e gli indicano la via per un possibile, diverso, esito.

Roberto Innocenti, 1990

Nemmeno questo esile segno di speranza basta però ad allontanare l’impressione di tristezza inquieta che la neve pasticciata dai passi o l’angustia dei vicoli sporchi trasmettono come una febbre. La stessa febbre forse, che aveva spinto Charles Dickens a descrivere quel mondo e a dargli voce.

Roberto Innocenti, 1990

Per chi vuole saperne di più sull'iconografia del Canto di Natale si consiglia l'edizione pubblicata da Interlinea nel 2009 che contiene un breve saggio di Walter Fochesato sugli illustratori delle edizioni italiane del libro.

Libri recuperati. 13. La Divina Commedia

2012-02-06T01:30:00.000-08:00

Libro uno e trino questa Divina Commedia pubblicata nel 1999 da Nuages (e ancora in commercio), con le tre cantiche suddivise con mano felice da Cristina Taverna tra Lorenzo Mattotti, Milton Glaser e Moebius, che hanno illustrato Inferno, Purgatorio e Paradiso secondo il proprio stile e le proprie caratteristiche.
Forti volumetrie e colori accesi e gessosi per Mattotti, monotipi per Milton Glaser, che si prova in una tecnica per lui inconsueta ma perfettamente inserita nella sua poetica grafica, aerei disegni mutuati da Gustave Doré per Moebius, rarefatti ed eleganti come uno dei suoi racconti fantascientifici.

Operazione non facile questa Commedia, con alle spalle tre ingombranti giganti quali Sandro Botticelli, Gustave Doré e William Blake, ma una scommessa affrontata alla garibaldina e certamente vinta. Sicuramente l'edizione più bella e importante della storia recente.

Lorenzo Mattotti. Inferno

... L'inferno, i diavoli, i mostri, le ombre! Ho iniziato con degli schizzi e mi sono subito divertito. Schizzi di mostri, sì, i mostri come al liceo quando disegnavo sui libri di testo, durante le lezioni, Arpie e Minotauri, animali strani e anime condannate...

(Lorenzo Mattotti)

Lorenzo Mattotti

Milton Glaser. Purgatorio

... la difficile domanda esistenziale che mi pongo sempre riguardo l'illustrazione, e cioè come si possa illustrare un testo che il lettore dovrebbe immaginare in maniera completamente personale nella propria mente. Non creando una singola immagine definita, e offrendo delle possibili varianti, il lettore dovrebbe essere incoraggiato a elaborare una propria personale immagine...

(Milton Glaser)

Milton Glaser

Moebius. Paradiso

... Gustave Doré era la mia sola via d'accesso all'ombra portata dalla luce paradisiaca sfiorata dalla penna angelica dell'artista. Una specie di eco di un'estasi lontana, un avanzo mezzo secco d'ambrosia, una traccia raccolta nel vento del tempo e sulla quale, senza vergogna, ho appoggiato di nascosto la mia carta da ricalco...

(Moebius)

Moebius

Le illustrazioni di Marco Paci

2012-02-05T09:41:00.000-08:00

Non avevamo ancora finito di congratularci con Marco Paci (e naturalmente con Carolina D'Angelo) per il premio nel concorso Un libro per l'ambiente che dobbiamo di nuovo occuparci di lui per l'inaugurazione della sua mostra Le illustrazioni di Marco Paci presso la Biblioteca Civica di Verona, lunedi 6 febbraio alle ore 17.

Marco Paci

La mostra sarà visibile dal 6 febbraio al 3 marzo, nella galleria della Biblioteca Ragazzi (via Cappello, 43) e presenterà tavole tratte da H. H. e 14 disegni originali realizzati per il Calendario 2012 della Fondazione San Zeno.

In occasione dell'inaugurazione della mostra, nell’ambito della serie di performance “Comics Art”, organizzate dalla Biblioteca Civica, Marco Paci realizzerà in diretta una tela che rimarrà esposta nell’ingresso della biblioteca.

Durante la mostra saranno previsti due appuntamenti di laboratorio a partire dalla lettura di H.H. dedicati ai bambini a cura di Marco Paci e Francesca Zoppei (associazione culturale Murmure).

Samuel Baffetti e la Torta di Micio

2012-02-03T23:10:00.000-08:00

Anna Maria, Tom Micio e Samuel Baffetti, 1908

Tra tutti gli animaletti disegnati e acquarellati da Beatrix Potter qual è quello che preferisco? Più che Peter Coniglio o Jemima Anatra de’ Boschi, direi senz'altro Samuel Baffetti.

Samuel Baffetti, topo goloso, infingardo, sovrappeso è il mio eroe, con la sua voglia inevasa di Torta di Micio, il mattarello spianato e la fuga precipitosa, infine, dalla casa dove la signora Tabhita Nervosetti sovrintende all’educazione, credo sommaria e distratta, apprensiva ma svagata, dei suoi piccoli, Moppet, Mittens e Tom Micio. Vado a momenti di memoria antica e quindi non so se ho voglia di ricordare i nomi inglesi dei protagonisti di questa storia (sì, va bene: Samuel Baffetti si chiamava Samuel Whiskers, la signora gatta Tabhita Nervosetti faceva Twitchit di cognome e Tom Micio era Kitten!).

La signorina Ribby, 1908

Samuel e la moglie Anna Maria, segaligna e sicuramente acida compagna del nostro eroe, vivono nel sottotetto della casa di campagna di Beatrix Potter, nella storia occupata dalla famiglia di gatti della signora Tabhita. Quando Tom Micio, irrequieto come tutti i cuccioli, si trova a cadere, polveroso e coperto di fuliggine, nella tana dei Baffetti, Samuel vede subito la ghiotta opportunità di preparare un’appetitosa Torta di Micio e quindi, rubacchiati in cucina un pezzetto di burro, un po’ di pasta di pane e un mattarello, confezionano, lui e la moglie, il povero Tom a mo’ di pasticcio, legato come un salamino e pronto da essere messo in forno.

Non c’è bisogno di raccontare tutta la storia. Samuel Baffetti non riuscirà ad assaggiare la Torta di Micio e lui e la moglie dovranno sloggiare da casa Nervosetti e rifugiarsi nel vicino granaio del fattore Potatoes.

Hunca Munca, 1904

Questo libriccino, esemplare dei modi di scrittura e disegno di Beatrix Potter, fu pubblicato nel 1908 e si riferisce al periodo in cui l’autrice aveva appena acquistato la casa di campagna di Top Hill e si era trovata a ‘lottare’ contro i topolini:
“È una casa deliziosa… Se solo si potessero tenere lontani i topi!”

Topi che comunque la Potter amava, come del resto tutti gli altri animaletti che popolano le sue storie e che si confondono, in significativa osmosi, con la sua vita reale. La campagna e il villaggio, con i suoi modi e i suoi abitanti, entrano ed escono continuamente dai racconti, ne sono soggetti attivi o fonte di ispirazione fino a diventare, negli ultimi anni, la sua principale, quasi unica occupazione.

Peter Coniglio, 1902

Anche nei suoi libri comunque Beatrix Potter mostra di comprendere e conoscere bene la vita e i rapporti tra gli animali; non si tira indietro, né nasconde lo sguardo, se i gatti mangiano i topi (le sorelle di Tom Micio sono, al riguardo, delle vere e proprie professioniste!), se la volpe, che aiuta l’Anatra Jemima a covare le sue uova, progetta di farsela arrosto con ripieno di erbe aromatiche, o se il Signor McGregor cerca di catturare Peter Coniglio per cucinarlo in pasticcio.

È un’ecologia bucolica e primordiale quella che ci racconta la Potter, dove le buone rigide maniere vittoriane, i tic e i vezzi della borghesia di campagna, non si disgiungono mai da una lotta per la sopravvivenza senza acrimonia né angoscia. Tutto è tranquillamente naturale: mangiare o essere mangiato.

Jemima Anatra de' Boschi, 1908

Ci viene in mente un famoso libro di Tony Ross (di cui dovremo certo riparlare): il lupo che alla fine si mangia il bambino che aveva gridato tanti falsi allarmi, senza odio né rimorso né angoscia allarga le braccia sorridendo: “Perché così è la vita!”

La vita è certo così e gli animaletti di Beatrix Potter (meravigliosamente disegnati, ma questo non c’era bisogno di dirlo!) si adeguano di buon grado, e la loro autrice li guarda benevola vivere e sopravvivere.

Viaggio in Italia

2012-02-03T06:11:00.000-08:00

Viaggio in Italia, cultura, storia e paesaggi italiani nei libri per l’infanzia è il titolo della mostra, progettata dalla rivista Andersen e presentata dall’Istituto Italiano di Cultura di Tokyo. La mostra, inaugurata oggi, 3 febbraio, sarà visibile a Tokyo fino al 18 febbraio e poi si sposterà a Osaka e Yokohama.

200 libri illustrati italiani per l'infanzia che offrono spunti e suggestioni intorno alla cultura, l'arte, gli stili di vita, la cucina, la famiglia, gli spazi della socialità dei bambini, le grandi città, il rapporto con il mare, la cultura contadina, le tradizioni popolari, i giochi. Ciascun libro diventa, così, la tessera di un puzzle che compone un inedito ritratto del paee, raccontato con la sensibilità e la creatività degli autori italiani per ragazzi.

L’iniziativa, progettata dalla rivista Andersen con la collaborazione di 50 editori italiani, è, negli intenti, una nuova occasione per valorizzare la creatività italiana applicata alla cultura dell’infanzia: dalla narrativa all’illustrazione, dalle opere di divulgazione alle guide turistiche progettate a misura di bambino, attraverso le opere di grandi artisti già molto noti e apprezzati in Giappone, come Bruno Munari, Gianni Rodari e Emanuele Luzzati fino agli autori emergenti di fama internazionale, passando per i più bei nomi della letteratura e dell’illustrazione di oggi.

La selezione delle 200 opere in mostra - suddivise in 12 sezioni tematiche - è stata compiuta dalla redazione del mensile Andersen .
“La mostra è un invito a conoscere l'Italia da una nuova prospettiva - dice Barbara Schiaffino, direttore di Andersen e curatrice della mostra insieme a Anselmo Roveda - un invito che vorremmo estendere prossimamente in Europa, senza considerare quanto sarebbe opportuno anche per noi italiani ricevere alcune di queste 'cartoline' dal nostro Paese, capaci a volte di raccontarci più fedelmente il nostro passato e il presente, fuori dai soliti luoghi comuni."

Dopo l'allestimento a Tokyo (3/18 febbraio), la mostra sarà esposta all'Istituto Italiano di Cultura di Osaka (7/17 maggio) e alla Zou-No-Hana Terrace nel porto antico di Yokohama (22 maggio /1 giugno). In tutte le tappe del tour verranno allestiti momenti di laboratorio e incontri con autori italiani e giapponesi.

Per informazioni:
http://www.iictokyo.esteri.it
http://www.andersen.it/

H.H. vince un Premio per l'Ambiente

2012-02-02T23:38:00.000-08:00

I 2000 giovanissimi giurati sono alle prese con la lettura dei sei finalisti del Premio Libro per l’Ambiente per il 2012, bandito da Lega Ambiente, e comunicheranno il loro insindacabile giudizio solo durante la cerimonia di premiazione che si terrà a maggio 2012.

Intanto la giuria degli adulti, composta da Ermanno Detti, Vichi De Marchi, Walter Fochesato, Alberto Oliverio, Vanessa Pallucchi, Rossana Sisti, Tito Vezio Viola ha comunicato i vincitori dei premi speciali, tra questi quello per la Miglior coerenza grafica-testo.

Il premio per la Miglior coerenza grafica-testo è stato assegnato al nostro libro, Edizioni Prìncipi e Princípi, H. H. di Carolina D’Angelo e Marco Paci.

A Carolina e Marco, che hanno presentato e sostenuto il libro in giro per l’Italia, con passione e entusiasmo, va naturalmente il nostro ringraziamento e la nostra gratitudine.

L'Encyclopédia Heterologica

2012-02-01T23:31:00.000-08:00

Edizione in 300 copie numerate e firmate. Stampa con 58 colori complessivi. Alcune tavole colorate a mano.
Stampato in proprio. Edizioni Wunderkammer, Firenze.

Citazione testuale. “L'Encyclopédia Heterologica è l’Enciclopedia delle Scienze non conformi alle regole, dei concetti inesplorati e di quelli ingiustamente dimenticati, di quelli indegni d'ascolto e di quelli elaborati dai pazzi di genio. Le discipline che compongono i saperi dell'Encyclopédia Heterologica sono le seguenti:

Allodossia, che si occupa delle Scienze dell'eccezione e del negativo.
Artifiziologia, che pervade le Scienze dell'inganno e della finzione.
Estetica del brutto, che domina le Scienze del difforme e dello sgradito.
Eteroclitologia, che scruta nelle Scienze della follia e dello stravagante.
Scatologia, che fruga nelle Scienze dei rifiuti e delle visceralità.
Tanatologia, che unisce le Scienze della morte e della distruzione.
Teratologia, che indaga l'indicibile latente nelle Scienze della mostruosità e delle patologie eccedenti.
Anfibologia, che si dibatte fra le Scienze del dubbio e delle ambiguità.
Geo-Utopia, che tratteggia le Scienze della geografia concettuale e dell'utopia.
Clinoglottologia, che si preoccupa delle Scienze della linguistica immaginaria e dei linguaggi destrutturati.
Maculalogia, che si espande nelle Scienze delle macchie e delle rappresentazioni non significanti.
Paradossologia, che percorre le Scienze delle apparenti inutilità e dei progetti ideali.
Patafisica, che si interessa delle Scienze delle soluzioni immaginarie e delle scelte arbitrarie.
Sensibilia, che indaga le Scienze delle sensazioni inconsuete e dei nuovi concetti.
Stocastica, che indugia nelle Scienze delle scoperte impreviste e delle circostanze fortuite.

L’Encyclopédia Heterologica è, quindi, l'Enciclopedia degli accostamenti pericolosi e delle dissonanze impreviste, in una parola è il luogo deputato ad accogliere qualsiasi idea proveniente da una circuitazione ardita, anche se solo immaginata a livello di progetto: un'Enciclopedia delle apparenti impossibilità e delle intuizioni impercorribili.”

Tutto questo immenso sapere umano, raffinato e, a tratti, misterioso, è studiato compiutamente e, immaginiamo, profondamente dall’Istituto di Anomalistica e delle Singolarità, che ha sede a Compiobbi, nel comune di Fiesole, in provincia di Firenze, e fa capo a una stanza stretta e lunga che è, al tempo stesso, laboratorio, archivio, museo, tipografia.
Il presidente è il 'professor' Berlinghiero Buonarroti.

Disegno di Berlinghiero Buonarroti, anni Sessanta.

Ca Balà, disegno di Graziano Braschi, 1966

Naturalmente tutto ciò è uno scherzo ma ci viene da aggiungere che non c’è nulla di più serio degli scherzi e Berlinghiero, non solo ‘studioso di scienze eteroclite’ ma soprattutto raffinato e 'cattivissimo' umorista del gruppo che aveva dato vita, all’inizio degli anni Settanta, ad una rivista mitica del settore, Ca Balà (con Graziano Braschi e Paolo della Bella), si offenderebbe molto pensando alla sua attività come ‘scherzo’. Allora, riposizionando la nostra valutazione, possiamo dire che le scienze studiate là si occupano di riclassificare, inventariare, posporre, secondo una combinatoria casuale e infinita, il sapere umano. Per dare un nuovo senso alle cose? Più probabilmente per togliere alle cose anche la minima parvenza di senso.

Le macchine 'discombinatorie' dell'Istituto di Anomalistica e delle Singolarità

Ecco che quindi nella parte, chiamiamola così, museale dell’Istituto si affollano le macchine improbabili che, con il meccanismo delle slot machines si occupano di ricombinare le parole in miliardi di combinazioni diverse. Provare per credere: un giro di manovella e le parole dei dischi interni delle macchine si riallineano in maniera follemente casuale. Ognuno, accompagnato dal suo destino, può formulare la propria frase, il proprio aforisma, addirittura inventare una propria, nuovissima scienza. Un gioco che rimanda a tutte le avanguardie storiche (che anch’esse potrebbero essere ricombinate in nuove soluzioni infinite).

Berlinghiero Buonarroti

Ma Berlinghiero Buonarroti non è solo questo perché al fondo resta sempre un artista, anche lui riassemblato e ricombinato tra illustrazione, umorismo, surrealismo, dada. Possiamo aggiungere molte altre definizioni, che ci sono venute in mente scartabellando nei faldoni e nei ‘quaderni neri’ che costituiscono la summa della sua vita artistica, ma queste ci sembrano bastare e cominciano già a farci girare la testa, perché ogni nuovo disegno, macchia, incisione, stampa che l’artista ci mostra impone un ripensamento e una ridefinizione, così che non appena crediamo di aver capito qualcosa ci vediamo costretti a resettare il nostro tentativo di analisi e a ricominciare da capo.

Berlinghiero Buonarroti: due tavole tratte dal volume Encyclopédia Heterologica

Che dire ancora? Che il nostro, da quarant’anni e più, non si limita a disegnare arte, ma la stampa anche in proprio (sì, avete indovinato, nella stessa stanza!) con ogni mezzo a disposizione: serigrafia, linoleografia, cromolitografia manuale, tipografia piana. Aggiungete le tecniche che vi vengono in mente e state pur certi che Berlinghiero Buonarroti le avrà provate, se ne sarà impadronito e le avrà ammucchiate nella stanza di Compiobbi (CompiHobby) in attesa che vengano buone per un’altra sperimentazione, folle e poetica.

CompiHobby, l'archivio del tempo che passa

I quaderni neri di Berlinghiero Buonarroti

Atak, nel frattempo...

2012-01-31T23:33:00.000-08:00

Si inaugura il 4 febbraio alle 18, e sarà aperta fino al 24 febbraio, nel locali dell’ Associazione culturale Hde, Piazzetta del Nilo 7, Napoli, la mostra Meanwhile.., antologica dei fumetti e delle illustrazioni di Atak, che arriva a Napoli dopo un tour lungo un anno che ha fatto tappa in tutta Europa, da Lucerna a Colonia a Monaco a Londra a Parigi.

(dal comunicato stampa) Un passato da punk, un amore folle per il mondo pop americano, la scena underground della Berlino Est: queste le chiavi per accedere al "mondo matto" dell'illustratore e fumettista Georg Barber (in arte Atak, Francoforte sull'Oder, 1967).
E una furia sperimentale, che attinge a fonti variegate, dalla stampa tradizionale alle contaminazioni pubblicitarie alle strisce di inizio Novecento, con voracità collezionistica e urgenza espressiva.

Il risultato è un corpus compatto di opere che fotografa la vague emersa dalle ceneri della Germania divisa e poi riunita, di cui Atak è indiscusso protagonista: come fumettista, in primo luogo, con le pseudo-fanzine "Wondertüte" (1997); quindi come illustratore, giornalista e disegnatore irriducibile a schemi e logiche di scuola, un outsider artist sempre oscillante tra inquietudine lunare e giocosa eleganza.

Mondi rovesciati, miti stravolti, classici rivoltati come calzini: Atak procede come una ruspa nei giardini delle iconografie convenzionali, calpestando e rimestando universi, per poi spremerne microcosmi immaginari dotati di una singolare, indefettibile, emozionante verità oltre lo specchio. Valgono da manifesto le illustrazioni di Mondo Matto, primo volume dell'artista edito in Italia da Orecchio Acerbo.
Nella mostra proposta a Napoli, fumetti e illustrazioni declinano una galleria di stili, tecniche e supporti, un Pop Expressionism originalissimo e tutto tedesco.

Storia lunatica

2012-01-30T23:07:00.000-08:00

Nel 1812 fu pubblicata Kinder und Hausmärchen la raccolta delle Fiabe dei Fratelli Grimm. Una data da ricordare, duecento anni tondi tondi, e che sarà certo ricordata, usata e abusata durante tutto l'anno. Noi cominciamo subito. Uscirà infatti il 2 febbraio in libreria il libro di Andrea Rauch, La luna, rielaborazione di una fiaba, appunto, dei Fratelli Grimm. L’albo, nella collana Fiabe, sarà messo in vendita al prezzo di 12,00 euro.

Una luna che viene da lontano
Andrea Rauch

Mi si scuserà se, almeno per questa volta, sarò costretto a usare spesso il pronome io e il possessivo mio, ma, visto che la storia è strettamente personale, mi ci vedo necessariamente costretto.

Dunque, in questi giorni viene consegnata al distributore, perché la mandi in libreria, una fiaba dei Fratelli Grimm, rielaborata e progettata da chi scrive questa nota: La luna.
Perché scelsi (poi dirò anche perché uso il passato remoto) una fiaba relativamente poco nota è presto detto e me ne faccio forte anche nel retro di copertina del libro: perché Italo Calvino, nella sua prefazione storica al volume delle fiabe dei Grimm edito da Einaudi, giudicò La luna fiaba “perfetta” tra quelle dei due scrittori tedeschi.

Prove, 1977

Lasciamo la parola a Calvino: “Se dovessimo dichiarare quale è per noi la storia più bella del libro, e la più completa di tutte le anime che lo compongono, diremmo che è La luna: mito cosmogonico pagano, novella paesana, iconografia medievale dell’al di là cristiano, comicità dell’assurdo, sono concentrati in un paio di pagine dove la “voce” popolare e la sofisticazione letteraria fanno una cosa sola.”

Appena letta questa nota andai subito, com’è ovvio, a prendere visione della fiaba e Calvino aveva ‘quasi’ ragione: nel senso che l’andamento del racconto mi sembrò ‘quasi’ perfetto, eccetto per l’intervento, deus ex machina, di un improbabile San Pietro che mi parve stonare con il nitore, questo sì ‘quasi’ perfetto, del racconto. Mi presi dunque la libertà di riscrivere i Grimm e, secondo una tradizione comune a tutti i tempi e modi della favolistica, di cambiare qua e là qualche particolare della storia. Quando il testo fu, a mio giudizio, bello e definito, ne disegnai un menabò che mi sarebbe servito come guida alle illustrazioni. Suddivisi il testo per le aperture necessarie e schizzai le situazioni. Non solo: mi presi la briga di elaborare anche due o tre immagini ‘definitive’ che sarebbero state le prime del lavoro. Era l’estate del 1977, quasi trentacinque anni fa.

Menabò, 1977

Prova, 1977

Non mi ricordo perché quel lavoro fu abbandonato quasi subito. Forse per mancanza di editore, oppure perché ne fui distolto da impegni nuovi e più urgenti. Oppure per caduta di interesse. O magari per una miscela di tutto questo. Fatto sta che quel menabò fu chiuso in un cassetto dove ha dormito della grossa per più di trent’anni, finché lo scorso anno, appena cominciata l’avventura di Prìncipi & Princípi mi è tornato alla mente, l’ho ricercato nei miei cassetti, ho riletto quell’antico canovaccio e, dopo aver scorso le illustrazioni preparate nel 1977 (irrimediabilmente invecchiate!), ho deciso di percorrere una strada nuova, riferita più alla mia storia personale di grafico che a quella di illustratore.

Menabò, 1977

Il risultato, elaborato in pochi giorni dopo i trent’anni di silenzio, è quello che avete sotto gli occhi e se le prime illustrazioni si erano riferite ad una generica ispirazione (o copia!) dei modi di Tomi Ungerer e Michael Foreman, questa definitiva stesura ripercorre una delle vie maestre della grafica, quell’ars combinatoria che, dalla tipografia costruttivista di El Lissitskji, percorre la storia del visual design del novecento, riaffiora con Otl Aicher e la scuola di Ulm, e da lì si estende a tutti i sistemi di segnaletica urbana e direzionale recenti.

El Lissitskji

Otl Aicher

Le tevole della Luna sono assemblaggi di elementi geometrici (perlopiù circonferenze ma anche quadrati, segmenti di linea, pallini…) che diventano, o perlomeno che cercano di diventare, emblematici. Un po’ il procedimento che Leo Lionni aveva usato per Piccolo Blu e Piccolo Giallo (si parva licet…); elementi minimi che si mescolano tra loro, prendono forza e significato dalla vicinanza o dal contrasto con altri elementi simili, finiscono per raccontare una storia esemplarmente simbolica, e possono, con il variare delle posizioni nella pagina, assumere altri significati e suscitare nuove emozioni. Senza dover ricercare, come trent’anni prima, i propri padri nobili nei disegni di Tomi Ungerer o Michael Foreman.

Menabò, 1977

Libri recuperati 12. Questa è Susanna

2012-01-29T22:40:00.000-08:00

Personalmente siamo sempre stati irritati dal politically correct, l’abitudine stucchevole di aggirare i problemi con perifrasi più o meno ‘corrette’ o comunque in grado di non urtare suscettibilità permalose.
Quindi oggi le parole sono quasi scivolate via e si è passati da “invalidi”, a “handicappati”, a “portatori di handicap”, a “diversamente abili”. Il senso è lo stesso ma, a quanto pare, la sfumatura lessicale dà alla cosa un nuovo senso, più moderno e rispettoso.

Per dire che questa Susanna, che Jeanne Willis ha scritto, Tony Ross disegnato e Mondadori, per l’edizione italiana, pubblicato (in sostegno della Lega per il diritto al lavoro degli handicappati), è una bambina “portatrice di handicap”, “diversamente abile”, ma ride, canta, vola, dondola, è gentile, dispettosa, triste, felice, timida, turbolenta, arrabbiata, orgogliosa. Susanna dipinge, pasticcia con i colori, fa le boccacce, si dispera se sbaglia, è contenta se fa le cose bene. I disegni, come al solito cordiali e allegri, di Tony Ross, certificano la solarità della piccola Susanna e la sua completa, rassicurante, “normalità” perché Susanna “… sa fare tante cose, proprio come te, proprio come me.”

E allora perché non tagliamo la testa al toro e la chiamiamo semplicemente “bambina”?

Jeanne Willis, Tony Ross, Questa è Susanna, Mondadori, 1999.

EurHope. Speranze per il futuro

2012-01-27T22:25:00.000-08:00

Illustrazione di Fausto Danielli

L’organizzazione di Smack! Fiera del Fumetto e dell’Illustrazione di Genova bandisce il concorso di illustrazione EurHope – immagini dal futuro. Il concorso è aperto ai giovani fino a 35 anni dei 50 Stati del continente Europeo.

EurHope vuole concentrarsi sull’immaginario degli europei e dei giovani europei con la convinzione che insieme ai percorsi economici e istituzionali l’Europa, al di là dei confini decisi, sarà una realtà forte e positiva quanto più emergerà un immaginario comune capace di rendere la convivenza tra differenti culture, la creazione di nuove culture, la sostenibilità sociale, ecologica, economica un obiettivo condiviso e desiderabile.

Smack! Fiera del Fumetto e dell’Illustrazione di Genova terrà la sua seconda edizione il 19–20 maggio 2012 e costituirà il primo appuntamento pubblico per i lavori premiati e selezionati. Premiazione dei vincitori e inaugurazione delle mostra delle opere vincitrici e di quelle selezionate il 19 maggio 2012 nell’ambito di Smack!

La Giuria del concorso è presieduta dal critico e storico dell'immagine Ferruccio Giromini ed è composta dal fumettista Massimiliano Frezzato, dalla titolare di Grrrzetic Edizioni Silvana Ghersetti, dal fumettista presidente dell’Associazione Illustratori Ivo Milazzo, dalla disegnatrice e direttrice di “Scuola di Fumetto” Laura Scarpa, dall’umorista satirico Vauro Senesi e, per Smack! da Enrico Testino.

Per le migliori opere vengono messi in palio tre premi:
1° classificato: 1.500,00 euro
2° classificato: 1.000,00 euro
3° classificato: 500,00 euro

La partecipazione è gratuita. Ogni autore o gruppo può inviare da una a tre opere in riproduzione cartacea, con stampa formato cm 30x30. Verrà premiata una sola opera per autore. Alcune delle opere selezionate verranno pubblicate su “E–il mensile” rivista di Emergency. I tre primi classificati verranno ospitati a Genova per la notte del 19 maggio successiva alla cerimonia di premiazione. Con le opere selezionate verrà realizzata una mostra documentata da un catalogo.

Info, regolamento e scheda di partecipazione al concorso:
www.smackcomics.it
www.eurhope.net

Quarantasette anni da Oscar

2012-01-26T23:06:00.000-08:00

Illustrazione di Mario Tempesti

È appena il caso di ricordare che le esigenze di un grande editore (‘generalista’ come si dice, oggi, con parola in uso!) non possono legarsi ad una strategia di immagine troppo rigidamente prederminata. Nella grafica, come in molte altre cose della vita, non tutti i gatti sono bigi, e dare risposte differenziate a esigenze diverse è sempre opportuno, spesso indispensabile. Diventa allora importante capire come la storia di una grande casa editrice sia la somma di mille piccole storie diverse, ognuna con una peculiarità e una logica, culturale e commerciale. Il romanzo best-seller non potrà essere trattato come il saggio di antropologia, il libro giallo sarà cosa diversa dalla silloge di poesia. E così via elencando.
Lo scorrere del tempo, l’aggiornarsi delle tecnologie, le esperienze acquisite, le mode che si modificano, sono altre delle dinamiche con cui é necessario confrontarsi.

Copertina n.1 Oscar Mondadori, 1965

L’uscita degli Oscar Mondadori, il 20 aprile 1965 (quarantasette anni fa, mica male!), fu una grande rivoluzione nella diffusione del libro in Italia. Gli Oscar uscivano in edicola, non più e non solo in libreria; erano romanzi di ottima dignità culturale, difficili a volte, erano a basso costo (350 lire per quelle lontane uscite). Il primo numero, Addio alle armi di Ernest Hemingway, vendette 210 mila copie in una settimana, fin quando fu sostituito in edicola dalla Ragazza di Bube di Carlo Cassola. I primi 52 titoli vennero diffusi in quasi 8 milioni e mezzo di copie.

L’idea iniziale, ebbe a dire Bruno Binosi che fu l’art director della prima serie, era semplicemente quella di avere a disposizione un contenitore per ristampare alcuni titoli di successo. Poi la collana si disarticolerà in molte sezioni, in centinaia di rivoli dove sarà a volte difficile intravedere il punto di contatto e la logica grafica complessiva: Narrativa italiana e straniera, Gialli, Fantascienza, Poesia, Saggi ecc.

Si calcola che fino al 1985 gli Oscar Mondadori abbiano venduto oltre 120 milioni di copie. La cifra ad oggi è probabilmente incalcolabile.

Illustrazione di Mario Tempesti

La storia degli Oscar Mondadori comprende, ovviamente, molte storie ‘grafiche’ eccellenti, alcune addirittura magnifiche. Negli anni hanno collaborato in maniera continua con gli Oscar gli art directors Bruno Binosi, Federico Luci, Giacomo Callo, Giorgio Seppi, gli illustratori e designers Paolo Guidotti, Karel Thole, Mario Tempesti, Ferruccio Bocca.

Ferenc Pinter, uno dei collaboratori più continui della casa editrice, creerà intorno ad alcune serie di volumi una vera e propria ‘mitologia’ grafica.

Illustrazione di Ferenc Pinter

I romanzi di Georges Simenon con il commissario Maigret protagonista costituiranno, nel tempo, un ‘insieme’ che, per adesione continua dell’illustratore al tema, non esitiamo a definire magistrale.
La faccia e il corpaccione pesante di Gino Cervi, che dette al commissario l’immagine televisiva, sono per Pinter il punto fermo di una serie infinita di variazioni sul tema, dove il virtuosismo dell’artista si spiega e si adatta senza sosta né cadute di ispirazione. Sono acquarelli, tempere, segni di pennarello: tutti trattati con una ‘divina’ nonchalance che seduce e incanta. Uno dei cicli grafici più ispirati e conseguenti della storia dell’illustrazione e dell’editoria italiana.

Illustrazione di Ferenc Pinter

L'immagine di Fiorucci: tra citazione e innovazione

2012-01-25T23:23:00.000-08:00

Dalla fine degli anni sessanta, quando Elio Fiorucci fondò a Milano la sua azienda di abbigliamento e la celebre griffe, il suo stile grafico e comunicativo è stato, paradossalmente, l’assoluta mancanza di stilemi definiti e il ricorrere continuo a una specie di bric à brac comunicativo. Un fai da te estremamente efficace comunque. Quello di Fiorucci è stato, infatti, un continuo ricercare dentro la grafica per trarne ‘vecchie’ immagini che diventano ‘nuove’ con il riuso contestualizzato. Il mondo più genuinamente ‘fiorucciano’, in quei primi anni di attività, che vedono l’espansione dell’immagine aziendale e il proliferare di negozi in tutto il mondo, si rifà dunque alle correnti umorali della Pop Art e dell’underground americano, anch’esse filtrate dall’esperienze grafiche, soprattutto americane anch'esse, degli anni Quaranta e Cinquanta, dai fumetti di Brick Bradford e Dick Tracy ad esempio.

I grafici e gli illustratori che lavorarono allora per Fiorucci (Oliviero Toscani, Augusto Vignali, Carlo Pignagnoli, Sauro Mainardi, Mizio Turchet ecc.) scoprirono l’esistenza preziosa di quei metaforici ‘magazzini di immagini già date’ che, variamente intrecciati e mescolati, potevano contribuire a formare una poetica grafica nuova. l'innovazione e la reiterazione del già visto.

L'immagine di Fiorucci si affermò dunque contraddicendo tutti i parametri della grafica sistematica di scuola ‘italiana’, senza assumere il ‘marchio’ come elemento centrale e irrinunciabile. Ogni manifesto, ogni sticker (ne furono disegnati e prodotti centinaia), ogni etichetta, disegnava il logotipo Fiorucci in modo diverso e originale, legandosi solo alla fantasia e alla voglia del momento e mostrando un’anarchica e salutare irriverenza per il concetto ‘sacro’, allora, di Immagine Coordinata.
Senza ‘metodo’ Fiorucci riuscì a costruire un metodo grafico ‘fortissimo’. Un’immagine perfettamente riconoscibile che si declinava per sommatoria di immagini diverse. Quella che allora i teorici chiamavano ‘grafica debole’, diventava, per reiterazione e capacità di diffusione capillare, una grafica fortissima e vincente.

Nessuna differenza?! Qualche differenza!

2012-01-24T23:08:00.000-08:00

Riuscite a vedere le differenze tra i disegni e le foto?
Sono le stesse situazioni: bambini che alzano le mani, bambini con una stella sul petto, o che indossano un giubbotto a strisce.
Situazioni simili però solo in apparenza, perché contrappongono la normalità dell'oggi, quella che ogni bambino può incontrare nella sua vita quotidiana, ad avvenimenti orrendi che si spera e si crede non debbano più ripetersi.
Situazioni a confronto, che impongono l'uso della memoria perché, come ha detto un grande poeta “... il ventre che ha partorito quel mostro è ancora gravido!”
Sta a noi riconoscere, oggi come ieri, qual è la differenza!

Matteo Gubellini, Nessuna differenza?!, Prìncipi & Princípi, 2011.
In occasione del Giorno della Memoria, 27 Gennaio.

Maestri 26. Tomi Ungerer

2012-01-23T23:50:00.000-08:00

Tomi Ungerer è nato a Strasburgo, il 28 novembre 1931. Dopo studi irregolari si è trasferito a New York, nel 1954, dove ha illustrato i primi libri e disegnato i suoi, famosissimi, manifesti politici. Ha vissuto a lungo in Canada e in Irlanda. Nel 1998 ha vinto l'Ibby Andersen Award per il miglior illustratore, La sua opera è conservata nel Museo di Strasburgo che porta il suo nome.

Di Tomi Ungerer ne esistono molti, tutti differenti ma in fondo simili. Esiste l’autore di libri per bambini, il progettista di manifesti politici, esiste il disegnatore di ispirazione erotica, quello innamorato del folklore della sua Alsazia, romantico e, in fondo, sentimentale. Esiste il Tomi Ungerer dissacrante e caustico, soprattutto esiste il Tomi Ungerer che s’indigna. Che s’indigna per il razzismo, per la segregazione razziale, per l’imperialismo, per l’ipocrisia del consumismo, per la crudele e bestiale stupidità del nazismo.

Manifesto, 1967

Esistono tanti Tomi Ungerer ma soprattutto esiste il ‘giocattolaio’ Ungerer, gran collezionista (ha da tempo destinato ai Musei di Strasburgo la sua grande raccolta), ma anche gran distruttore di giocattoli, che smonta, seziona, rimonta variandone il senso e scoprendo nuove allusioni. L’autore, illustratore, artista Ungerer è, infatti, un giocattolaio impazzito, un cappellaio matto, che nella realtà delle sue storie, favole o altro, cerca sempre il nonsense, l’alternativa, la sorpresa, il capovolgimento di senso.

No Kiss for Mother, 1973

“Mi è sempre piaciuto capovolgere e far deviare le storie: che Biancaneve sia rapita da raccapriccianti nanetti sadici, che la Bella Addormentata copra di insulti un principe libidinoso che l’ha baciata, o che Cappuccetto Rosso, per via di un colpo di fulmine, parta per fare stravizi con il lupo facendo morire di fame la nonna!”

E ancora: “Se ho fatto libri per bambini è stato, da una parte per divertire il bambino che io sono, e dall’altra per dare scandalo, per far esplodere i tabù, capovolgere regole: briganti e orchi trasformati, animali di dubbia reputazione riabilitati. Sono libri sovversivi…”

Die Drei Rauber, 1962

Zeralda's Ogre, 1967

I Tre feroci banditi che derubano le carrozze non sanno cosa farsene dell’oro depredato, finché Tiffany, la bambina, non insegna loro ad usarlo per aiutare altri bambini abbandonati; Zeralda, la bimba cuciniera, aiuta e incanta l’orco con le sue pietanze saporite, lo converte e alla fine, tagliata a lui la barba e cresciuta lei, convolano a giuste nozze; Allumette, piccola fiammiferaia scacciata da tutti nel mondo del consumismo e dell’antagonismo di classe, esprime un desiderio e tutto cade ai suoi piedi per essere ridistribuito ai poveri del mondo.

Nel mondo di quel ragazzaccio misogino di Tomi Ungerer sono quasi sempre le bambine i deus ex machina che danno sapore, sostanza e significato alle storie.

“Penso che bisogna essere misogini per apprezzare meglio le donne. Non si offrono alle donne sufficienti opportunità se non le si detesta abbastanza! Penso anche che un misogino, con il suo distacco, è più disposto a rispettarle. La morte e la donna sono il filo conduttore di tutta la mia opera. La morte è madre o matrigna. È naturale che i miei personaggi facciano dell’equilibrismo su questi due fili, spesso su entrambi allo stesso tempo.”

La guerra dei sessi scatenata nei suoi disegni ‘erotici’ non ha, quindi, mai vincitori: tutti sono vinti perché si avviano pian piano alla dissoluzione, al degrado, alla morte. Certo, si può ridere molto, guardando questi disegni, ma il riso è amaro, i corpi sono sfatti e la pelle ricade flaccida.

The Sexmaniak, 1968

Ci si avvia alla fine, alla rottamazione dell’esperienza, all’abbandono. Dalla distruzione ironica dei corpi di Sexmaniak alla cupa dissoluzione delle case, degli oggetti, del paesaggio, di Slow Agony.

Slow Agony, 1983

Si celebrano, o si esorcizzano, Eros e Thanatos: “Queste case di legno – scrive Antonio Faeti nella prefazione alla grande mostra antologica di Ungerer al Palazzo delle Esposizioni di Roma nel 1991, curata da Paola Vassalli – sfibrate, esauste, sbocconcellate, da un tempo velocemente divoratore, questo sfascio territoriale e architettonico che oscilla tra gli estremi di una solenne Città del Silenzio e le prossimità di un degrado periferico, omogeneo in senso planetario, dovrebbero anche indicare un terribile traguardo, un punto fermo, un esito quasi definitivo.”
Forse quell’esito rovesciato, alternativo, dissacrante di Tomi Ungerer, giocattolaio e artista del nonsense.

Libri recuperati 11. Ravachol & Cia

2012-01-22T23:32:00.000-08:00

Libri che non avevamo segnalato perché il nostro blog non esisteva ancora. Libri che abbiamo segnalato altrove. Libri che meritano comunque di essere segnalati e ricordati. Libri mai usciti in Italia. Libri memorabili per testi e immagini. Libri.

11. Flavio Costantini, Pietro Favari. Ravachol & Cia

“… è la società che fa i criminali e voi, giurati, invece di colpire loro, dovreste impiegare le vostre forze a trasformare la società.
Di colpo, sopprimereste tutti i crimini e la vostra opera, attaccando le cause, sarebbe più grande e più feconda di quanto non lo sia la vostra giustizia che si limita a colpire gli effetti.
Io sono solo un operaio senza istruzione, ma poiché ho vissuto l’esistenza dei miserabili, sento meglio di un ricco borghese l’iniquità delle leggi repressive.
Dove prendete il diritto di uccidere o di rinchiudere un uomo che, messo sulla terra con la necessità di vivere, si è visto nella necessità di prendere ciò che gli è necessario?”

Certo che le parole che Ravachol pronunciò prima della sua condanna a morte sono parecchio più nobili e toccanti delle sue azioni. Perché l’idea anarchica era bella, brillava “come il sol dell’avvenire”, ma i delitti, le rapine, i furti, la profanazione di tombe, di cui François Claudius Koeningstein (Ravachol era il cognome della madre che lui assunse in dispregio del padre che aveva abbandonato lei e i quattro figli) era accusato, raccontavano anche la vicenda di un comune malvivente. È una storia che abbiamo visto anche altrove e in altri momenti. Ravachol aveva comunque tutto per essere, o diventare, il personaggio di un feulletton popolare: l’estrazione sociale, la spavalderia, la cultura e le letture.

Ravachol e Madeleine Labret

Pietro Favari con i testi e Flavio Costantini con le illustrazioni raccontano quella pagina della storia sociale della fine del XIX secolo, in un libro bello e introvabile (Ravachol & Cia, Quadragono Libri, 1975).

Costantini continuava allora quella sua personale ricognizione nel mondo dostojeskiano del sottosuolo, che lo ha reso famoso. I suoi disegni sono fissati nel ricordo ad una stagione della politica e della società che parte dalle storie degli anarchici (nel libro si racconta anche di Auguste Vaillant e di Sante Caserio, ad esempio) e risale fino al Cuore di Edmondo De Amicis.

Le sue tavole, rigorosamente prive di prospettiva, raccontano i margini della Belle Epoque ma a quella fanno costante riferimento per il gusto della decorazione e la precisione del dettaglio; gli ambienti borghesi, asetticamente definiti da grandi bordi neri e campiture piatte di colore, fanno pendant con i volti e i corpi dei personaggi, percorsi da rughe e nervature continue; corpi, volti, mani, nodose e dure, in austero e rigoroso bianconero.

Ravachol

Il libro (32 pagine di grande formato) è una delle tappe fondamentali dell’avventura del Quadragono, la casa editrice di Mario Vigiak (“una specie di regata solitaria, ai margini delle grandi rotte transoceaniche, con partenza nel 1974 e affondamento nel 1980”) che in pochi anni pubblicò trentaquattro volumi tutti curatissimi per testi, immagini, grafica. In quelle pagine trovarono posto, tra l'altro, tavole di Sergio Toppi, Emanuele Luzzati, Dino Battaglia, Karel Thole, Ralph Steadman e testi di Umberto Eco, Rita Cirio, Ettore Sottsass, Tullio Kezich. Credo che ne parleremo ancora.

Ravachol

Sante Caserio

Bestiale Matticchio

2012-01-22T00:40:00.000-08:00

Una nuova mostra di Franco Matticchio deve sempre essere vista. Così consigliamo caldamente a chi sarà a Milano domani sera, 23 gennaio, di fare una capatina da Nuages, via del Lauro 10, per l'inaugurazione di Bestiale. La mostra resterà aperta dal 23 gennaio al 25 febbraio 2012. Inaugurazione dalle ore 18.

Le cronache ci dicono che la carriera di illustratore di Franco Matticchio si è mossa tra riviste prestigiose (Linus, L'indice, Linea d'ombra, New Yorker) e incarichi altrettanto prestigiosi (titoli di testa per il Mostro di Roberto Benigni.)
Si può anche citare quel suo svagato humour noir (tra Roland Topor e Chas Addams, con appena una puntina di Steinberg) che lo pone, a diritto, tra i più importanti e ispirati illustratori italiani.

La cronaca però può fermarsi qui, ricordando ancora una capatina alla Biennale di Venezia dello scorso anno, perché il resto è racconto. Racconto di un personaggio che noi crediamo sempre all'interno di un suo disegno, gatto tra i suoi gatti, omino tra i suoi omini, capace di trovarsi dalla parte di chi vede una realtà diversa e a quella uniforma il suo stralunato punto di vista. I cartoons di Franco Matticchio sono infatti iperrealisti perchè la realtà che Franco vive e interpreta è quella che ci mostra; quella dove si cammina vestiti, e ci si sente parecchio in imbarazzo, in mezzo ai passanti nudi, dove una striscia di colore sfumato può essere la strada per andare controcorrente, dove un libro si può comodamente leggere sdraiati su un marciapiede. Umorismo? Certo, ma anche forse. Perché il mondo non fa solo ridere e quello di Franco ci parla anche delle difficoltà, della solitudine, del disagio.

Una grande selezione dei cartoons di Franco Matticchio, continuamente aggiornata, può essere vista sul blog Animalarium.

L'alfabeto delle fiabe

2012-01-21T00:50:00.000-08:00

Lunedì 23 gennaio, alle ore 16.30, a Roma, Campidoglio, Sala della Protomoteca sarà presentato il libro Alfabeto delle Fiabe, che raccoglie ventuno figure e poesie sui simboli delle fiabe: ventuno lettere di un alfabeto che si trasformano in ventuno simboli e ventuno filastrocche che a loro volta si riferiscono a un numero infinito di fiabe. Il libro, frutto della collaborazione tra Comune di Roma e Istituzione Biblioteche di Roma, è stato scritto da Bruno Tognolini, disegnato da Antonella Abbatiello e pubblicato da Topipittori.

All’incontro saranno presenti gli autori, Bruno Tognolini e Antonella Abbatiello, e, per le edizioni Topipittori, Paolo Canton e Giovanna Zoboli.

Il libro fa parte di un percorso formativo sulle fiabe intrapreso dalle insegnanti e dalle educatrici nell’ambito del progetto romano di aggiornamento per educatori Leggere Che Piacere, legato al progetto Nati per leggere.

Labirinto

Ci sei cascato, è un labirinto

Un bosco finto di muro dipinto

Entrata e uscita sinistra e destra

Sembra sparita la strada maestra

Peggio se è meglio, giusto se sbaglio

So dove vado ma non dove voglio

Il labirinto è il lontano vicino

Ma lui si ferma son io che cammino

Filo d'Arianna e non fermarsi mai

Ora la strada la sai

Castello
In cima al monte sorgeva un castello

Com'era grande, com'era bello

Io l'ho guardato, ho ricordato

In quel castello ci sono già stato

Son stato re. son stato fante

Sono partito bandito viandante

Ora son piccolo, ora son solo

Mi son perduto nel viaggio, nel volo

Ho attraversato la terra ed il mare

Ora lasciatemi entrare

I miracoli di Val Morel

2012-01-19T23:56:00.000-08:00

Dino Buzzati sarà ricordato, a quarant’anni dalla morte, nella sede della Fondazione Corriere della Sera, via Balzan 3, Milano, martedi 24 gennaio (alle ore 18,00). Vittorino Andreoli e Lucia Bellaspiga parleranno di uno dei libri più belli, ma anche meno conosciuti, dello scrittore e pittore milanese, I miracoli di Val Morel.

Per grazia ricevuta

Buzzati immagina dunque, con uno degli espedienti più usati nella storia della letteratura, la scoperta, nella biblioteca paterna, di un manoscritto con il resoconto dei miracoli attribuiti a Santa Rita, onorati nel Santuario di Val Morel, in quel delle montagne bellunesi.

“… nell’interno era registrata, in un linguaggio candido, sgrammaticato e intensamente dialettale, una lunga serie di favolosi interventi di Santa Rita, che andavano dal secolo sedicesimo al principio del novecento.”

Lo scrittore si incuriosisce e comincia a chiedere in giro. Nessuno sa di un santuario, nella zona, ma poi un vecchio prete si ricorda dell’esistenza di una cappella votiva, meglio ancora un tabernacolo, da qualche parte nella valle Belluna. Dino Buzzati lo cerca e si imbatte in Toni Della Santa, un vecchio montanaro che è custode, come lo erano stati suo padre e suo nonno, del ‘santuario’ e che, nella sua casetta tra un viottolo e una siepe nascosta, ha raccolto centinaia di ex voto a ricordo dei prodigi della santa.
“Era un uomo bizzarro, che evidentemente aveva perso qualche venerdi, ma che esprimeva una schiettezza, una umiltà, una bontà straordinarie…”

Buzzati dichiara di non essere tornato, quell’anno, a visitare la cappella e poi di essere stato lontano per ragioni di lavoro. Quando cerca di nuovo il santuario di Val Morel, molti anni dopo, nel 1946, non ne trova più traccia. Nessuno sa nulla. Come non fosse mai esistito. Per fortuna aveva preso appunti nel corso della prima, lontana visita e, a futura memoria, può, sulla scorta del manoscritto e dei ricordi, dipingere gli ex voto della Val Morel che faranno parte del libro.

Naturalmente tutto il racconto è inventato di sana pianta ed è espediente per una mostra veneziana dell’artista, nel 1971. Per quell'esposizione Buzzati ha “… l’idea di un piccolo santuario di montagna che non esisteva ma che in fondo poteva anche esistere; miracoli mai avvenuti ma che mi offrivano l’occasione di presentare le situazioni, i personaggi e gli ambienti che a me vanno più a genio.”

Il pittore Buzzati integra quindi lo scrittore, seguendo una fantasia una e bina, che collega il racconto verbale con la visualità. Buzzati non si preoccupa qui di attingere ad una precisione di stile e sovrappone tra loro le suggestioni grafiche che lo hanno accompagnato negli anni, dalla metafisica al surrealismo, dall’arte naïf alla pop art, al fumetto. Nelle tavole ricompaiono i ‘fantasmi’ che hanno affollato la mente e il pennello dell’artista; i deserti e le montagne, guglie scoscese e aguzze, il gusto della favola, gli animali e gli spauracchi della tradizione popolare (il Gatto Mammone, il Vecchio della Montagna, il Serpenton dei mari…). È una sarabanda di situazioni grafiche e di racconti misteriosi, improbabili e affascinanti.

“Il bello è che, siccome è la vita a imitare l’arte e non viceversa, dopo la mia mostra a Venezia un professore di Belluno ha suggerito al parroco di Limana, la cui cura d’anime si estende a Val Morel, di costruire in un posto come quello da me descritto una cappella dedicata a Santa Rita, dove è presumibile arriveranno le testimonianze di chissà quanti prodigi da lei compiuti. Se la facessero veramente sarebbe per me, scrittore e pittore, la più grande delle soddisfazioni.”

I miracoli di Val Morel
Testi e disegni di Dino Buzzati

Il Gatto Mammone. Ancora nel 1968 venne comunicata ai giornali la fuggevole comparsa, in quel di Cesio Maggiore (Belluno) del Gatto Mammone, che si limitò a spaventare un gruppo di mucche al pascolo. Ma la più parte dei naturalisti è incline a ritenerla una pura fantasia. Dobbiamo dunque pensare che la signora Serafina Dal Pont sia rimasta vittima di una allucinazione? Già molto avanti in età, diciamo pure oltre i novanta, siamo riusciti a rintracciarla, nella fattoria di Faverga che da secoli appartiene alla famiglia. La sordità ha reso precario il colloquio; tuttavia mi è parso di capire che la Dal pont ribadisce con fermezza, quasi con rabbia, la verità dell'incidente, che avrebbe potuto avere tragiche conseguenze. A sentir lei, Santa Rita sarebbe comparsa sotto forma di un grossissimo topo il quale distrasse l'attenzione del mostro che si mise a inseguirlo attraverso la campagna, sottraendosi ben presto alla vista.

Cappuccetto Rosso. Questo miracolo non figurava scritto nel registro del Della Santa, il quale tuttavia lo aveva raccontato in un piccolo dipinto. È fin troppo chiaro che si tratta di Cappuccetto Rosso inseguita dal lupo. La cartella in mano alla bambina sta a indicare che la piccola sta andando o tornando da scuola.

Il Serpenton dei Mari. Non si trattava di un incrociatore, bensì di una più modesta cannoniera (il bravo Toni Della Santa era pittosto libero e fantasioso nelle registrazioni) che batteva bandiera francese. L'episodio sembra credibile, e non dovuto a un fenomeno di autosuggestione, in quanto durante il primo conflitto mondiale il serpente dei mari, incarnazione forse del demonio della guerra, venne ripetutamente avvistato, perfino nel Mediterraneo.

Il Diavolo Porcosppino. Il fatto appare singolare perché in nessun trattato di demonologia il porcospino risulta essere stato incarnazione del Diavolo. Anzi, il simpatico animaletto gode ovunque ottima fama ed è considerato discreto e utile tutore della quiete domestica. Ma tant'è. I dati fornitimi dal Della Santa mi sembrano realmente inoppugnabili; se sono veri, s'intende. Perché sono ormai passati quattro secoli. E l'avvenimento è giunto a noi attraverso una tradizione orale la quale sappiamo bene quanto sia soggetta a deformazioni, errori, fantastiche varianti.

Il Colombre. So bene che in certe ristrette cerchie di studiosi regna la convinzione che il Colombre non sia altro che una arbitraria contraffazione dellla grande Balena Bianca, immortalata da Melville. Ma so altrettanto bene che costoro si sbagliano. Troppe volte, e da testimoni troppo seri, è stato avvistato il Colombre perché si possa dubitare della sua esistenza autonoma. Ogni volta il mostro, che dobbiamo chiamare così perché meraviglioso non già perché apportatore di sventure, fu visto di colore verdastro, o verde o azzurro verdastro. Mai bianco come Moby Dick. Inoltre si è sempre distinto da questa orribile incarnazione dell'inferno in quanto non ha mai fatto male a nessuno. Lo spavento dei marinai alla sua vista, grandissimo, non autorizza ad attribuirgli azioni disonorevoli.

Dino Buzzati, I Miracoli di Val Morel, Garzanti, 1971. Ora anche in Oscar Mondadori, 2012, euro 12,00.

I dieci migliori blog secondo Centostorie

2012-01-19T08:28:00.000-08:00

Il blog della libreria romana Centostorie pubblica oggi un post con una specie di classifica-segnalazione di quelli che reputa "i dieci migliori blog dedicati alla letteratura per bambini". Siamo felici e onorati di essere compresi in quest'elenco insieme a tante testate (si dirà così?) che anche noi leggiamo e consultiamo regolarmente, dalle Figure dei Libri ad Animalarium a Topipittori blog. Naturalmente il blog di Centostorie meriterebbe anch'esso di essere compreso nell'elenco.

Maestri 25. Jean-Michel Folon

2012-01-18T23:32:00.000-08:00

Jean-Michel Folon nasce a Uccle, in Belgio, nel 1934. Interrotti gli studi di architettura, alla fine degli anni Cinquanta, si trasferisce a Parigi e inizia l’attività di illustratore. Nel 1970 espone alla Biennale di Venezia. Da questo momento inizia il grande momento internazionale dell’artista, che lo porterà a essere conosciuto e amato ovunque. Dal 1990 si era dedicato prevalentemente alla scultura. Muore nel 2005.

Folon Firenze, matite colorate, 1990

La scultura Folon l’aveva scoperta all’inizio degli anni Novanta quando, insieme a Leo Lionni, aveva visitato, a Bologna, la fonderia Venturi. Abbastanza timidamente espresse allora il desiderio di cimentarsi con il bronzo. L’affermazione lasciò tutti dubbiosamente perplessi: un disegnatore lieve, aereo, delicato come Jean-Michel, come poteva affrontare una tecnica artistica così pesantemente grave come la scultura? Come far volare i suoi omini, gli arcobaleni, gli uccelli, le fiammelle?

Io mi ricordo..., bronzo, Firenze, Forte di Belvedere, 2005

L'uomo che vola, bronzo, Firenze, Forte di Belvedere, 2005

Naturalmente tutti avevano torto (mancanza di fantasia?) e lui ragione, perché da allora gli omini, gli uccellini, gli arcobaleni di Folon si trasferirono su pietra e bronzo, senza rinunciare in nulla alla leggerezza. Erano, se così si può dire, acquarelli di bronzo.

Undicesimo pensiero, bronzo, Firenze, Forte di Belvedere, 2005

Rinunciò però, seguendo il sogno della scultura, quasi completamente alla grafica. Nella grande antologica di Firenze, ultima sua grande mostra prima della morte, 2005, singolarmente non era esposto nemmeno un manifesto. Come nulla c’era dei libri che, tra gli anni Sessanta e Settanta, disegnò per Olivetti: La Metamorfosi di Kafka e Cronache Marziane di Bradbury.
E questo anche se il posto che Folon occupa e occuperà nella storia dell’arte è dovuto al suo modo di fare grafica, al suo essere grafico. Molto di più che al suo essere scultore.

Metamorfosi, illustrazione per volume, Olivetti, 1973

In volo, acquarello, 1975

La Sfinge, acquarello, 1977

Spoleto Festival, manifesto, 1977

Jean-Michel Folon fu davvero, dagli anni Sessanta, l’ultimo grande affichiste. Continuò e concluse l’opera di Cassandre e Savignac. Solo che mentre Savignac usava il suo stile e la sua verve per parlare del prodotto, Folon usava il prodotto per parlare del suo stile. In ogni manifesto c’era una sorta di magica autoreferenzialità.
L’adesione al tema era un modo per trasportare l’oggetto nel suo universo grafico rarefatto, nei suoi deserti acquarellati, tra frecce, omini blu, sfingi silenziose e nuvole di panna montata.

Nuvole, acquaforte-acquatinta, 1990

Nuages, acquaforte-acquatinta, 1988

Anni d’oro: periodo in cui, Folon insegnò al mondo come fare l’acquarello, dal punto di vista tecnico, narrativo, poetico. Poi l’universo disegnato di Folon cercò di sostituirsi al mondo reale e l’artista cominciò a interessarsi quasi solo al consolidarsi dello stile. Fu un periodo di appannamento creativo (da cui lo salvò, si può dire, la scultura); il poeta e artista Folon non voleva più confrontarsi con l’arte della strada perché il tempo gli serviva, allora, per lavorare su se stesso.

Testi tratti da: Andrea Rauch, Il mondo come Design e rappresentazione, Usher Arte, 2009

Incendiare le figure

2012-01-17T23:32:00.000-08:00

Prima che fumare diventasse politicamente scorretto, o prima ancora, che gli accendini usa e getta diventassero di uso comune; prima che le cucine avessero un impianto di accensione elettrico; prima che il riscaldamento delle case fosse autonomizzato e centralizzato; ebbene, prima di tutto questo, c’erano i fiammiferi.

Garibaldi, prima metà Ottocento. Serie di 12 scatole.

Che erano, come ricorderà qualcuno di memoria lunga, almeno di quattro pezzature: gli zolfanelli, detti anche fiammiferi di legno, dalla fattura e dalla confezione rozza ed economica, i minerva, di color rosa-magenta colla capocchia gialla, schiacciati con la base compatta in cui i fiammiferi si dovevano staccare uno ad uno, i cerini, piccoli, con la scatoletta quadrata, pratici da portare in giro, di cera come diceva il nome, e infine, facendo salva qualche variazione di minor conto, gli svedesi, simili agli zolfanelli ma più delicati e eleganti, di maggior pregio.

Faust. Serie di 12 immagini in 6 scatole.

Proprio sulle scatole di fiammiferi si scatenò (tra ottocento e primi novecento) una fantasia iconografica strepitosa, un’inesausta voglia di illustrazione, di documentazione, di ammaestramento. Su quegli astucci si raccontò la Divina Commedia e il Faust, ma anche l’Assedio di Firenze e Nanà: nella seconda metà dellottocento la produzione fu copiosa e il successo grande. Ci furono serie intere dedicate agli sport popolari (la lotta soprattutto), alle grandi imprese che colpivano la fantasia popolare, ai personaggi della storia patria, all'epopea risorgimentale; ci furono, naturalmente, serie disegnate con disegni umoristici, barzellette pruriginose, immagini ammiccanti e, nei limiti della cromolitografia, scollacciate.

La Divina Commedia, 1880 ca. Serie di 32 scatole

Il genere, nato sull’onda delle cabale, degli almanacchi e dell'illustrazione popolare, si acquistò in breve una propria autonomia che lo fece anticipatore di tanta altra piccola editoria di massa (le raccolte di 'figurine', ad esempio). Le scatole di fiammiferi furono una specie di Biblia pauperum, un florilegio di santini laici; raccontavano storie semplici o mirabolanti, riducevano in pillole, una frase poco più, il Paradiso perduto di Milton e i Promessi sposi. Furono, ben prima del fiorire dei rotocalchi popolari e poi della televisione, un mezzo formidabile di comunicazione, di informazione, di svago.

I Promessi Sposi, 1880 ca. 24 immagini in 12 scatole.

Le immagini sono tratte dalla collezione (forte di più di 60.000 pezzi) di Renato Bittoni, collezionista di San Giovanni Valdarno.

Libri recuperati. 10. Il libro della giungla a Londra

2012-01-16T23:32:00.000-08:00

Il libro della Giungla a Londra (London Jungle) è il resoconto di un viaggio. Quello di Bhajju Shyam, giovane artista di grande talento, originario della tribù indiana dei Gond, a Londra per affrescare con un suo lavoro le pareti di un ristorante. Un lavoro impegnativo, che assorbe completamente il giovane artista per quasi due mesi, ma che gli permette di entrare in contatto con una società diversa, con un mondo fino allora sconosciuto e 'meraviglioso'.

Tutti ricordiamo lo stupore dei grandi viaggiatori di fronte ad un fatto nuovo, ad un rito sconosciuto, davanti ad un cibo o a una bevanda dai sapori esotici, di fronte ad usi cui non erano abituati e di cui non avevano notizia. E ricordiamo anche, nei loro scritti, quel misto di disappunto, meraviglia e sconcerto che caratterizza sempre l'incontro con l'alieno.

Qui è lo stesso, solo con la prospettiva rovesciata. L'indiano Gond Bhajju parte dal suo villaggio e con un lungo viaggio, in treno e aereo, arriva a Londra, la grande città moderna, e entra in contatto con abitudini e genti strane, interessanti, diverse. Ed essendo un artista rielabora quello che vede alla luce della sua arte e della sua sensibilità. Secondo il costume della sua gente cerca di capire il perché delle diversità, ne è incuriosito, le osserva con occhio ingenuo e smaliziato al tempo stesso, la reinterpreta con il suo originale pensiero simbolico.
Nascono delle tavole di bellissimo rigore formale, dove ogni elemento della vita di Londra è collegato con una logica simbolico-iconografica affascinante.

Sarebbe pedante raccontare qui le impressioni e i significati che Bhajju mette a base del suo operare artistico. Il viaggio nella 'giungla di Londra' lo porta comunque in contatto con gli uomini e le donne, con il lavoro, con gli autobus e la subway, con i musei e i ristoranti. Tutto visto con il rispetto e l'affetto di chi cerca di capire le cose ma, al tempo stesso ha il timore di infastidire, di essere inopportuno e scortese con le proprie osservazioni.

Un libro bellissimo, da leggere e rileggere, da guardare e riguardare con attenzione. Cercatelo: è da non perdere assolutamente.

Bhajju Shyam, Il Libro della Giungla a Londra, Adelphi 2004, 12,00 euro.

Le cantine di Sussi e Biribissi

2012-01-15T23:15:00.000-08:00

Credevamo che uno dei libri della nostra infanzia toscana, Sussi e Biribissi, fosse ormai uno di quei detriti ingombranti che ci stanno tra i piedi per un po’ finché non vengono abbandonati e dimenticati. L’avvento di storie e personaggi nuovi, più in tecnologica sintonia con i tempi, ci sembrava avessero reso incongrue le avventure dei due monelli fiorentini, alla ricerca di un centro della terra che passa per le fogne e riaffora nella cantina di un convento.